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Monthly Archives: avril 2020

Les pendants du Corrège

28 avril 2020
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 Les pendants du Corrège sont très peu nombreux, mais extrêmement originaux et novateurs : peu après les premiers essais de Mantegna (voir Les précurseurs : sujets religieux et mythologiques), ils serviront de modèles pour un genre promis à un grand développement : celui des pendants à sujets mythologiques, et les plaçant d’emblée à un très haut niveau de qualité graphique et de profondeur sémantique.

Le tout premier pendant du Corrège est à sujet religieux :

Correge 1524 ca martirio_dei_quattro_santi Galerie nationale ParmeMartyre de Saint Placide, de sa soeur sainte Flavia et de leurs petits frères Eutychius et Victorinus (160 cm × 185 cm) Correge 1522 ca Compianto_sul_Cristo_morto Galerie nationale ParmeLamentation sur le Christ mort (157 x 182 cm)

Le Corrège, vers 1524, Galerie nationale, Parme [1]

Les deux tableaux ornaient les murs gauche et droit de la chapelle Del Bono, dans l’église San Giovanni Evangelista de Parme (le tableau de l’autel est une petite Madonne).



Correge 1522 ca Galerie nationale Parme
Ils ont été conçus, selon une scénographie palpitante, pour être parcourus depuis l’entrée de la chapelle :

  • coté gauche, l’oeil du spectateur s’enfonce en diagonale, depuis le bourreau debout levant son épée, jusqu’à la tête décapitée au pied du second bourreau ;
  • côté droit, l’oeil ressort par la même diagonale descendante, depuis Saint Jean au fond soutenant Marie soutenant le torse de Jésus, puis le long de ses jambes jusqu’à ses pieds et à Marie-Madeleine en prières, où se termine la visite.

Ainsi le spectateur imite visuellement à gauche le geste de la lame, à droite le trajet des pleurs.



Correge 1525 ca Venus with Mercury and Cupid The School of Love National Gallery 155.6 x 91.4 cmVénus et Mercure enseignant à lire à Cupidon, National Gallery ( 155.6 x 91.4 cm) Correge 1525 ca Venus_et_l'Amour_decouverts_par_un_satyre Louvre 1,8 x 1,2 mUn satyre découvrant Vénus et Cupidon endormi, Louvre (188 x 125 cm)

Le Corrège, vers 1527

Ces deux oeuvres sont décrites ainsi en 1627 dans l’inventaire de la collection des Gonzague, avec une importante différence de prix : 150 ecus pour la toile de Londres, 100 pour celle de Paris. Plus tôt, en 1589, on les trouve dans une chambre à coucher du palais du comte Nicola Maffei à Mantoue, qui est probablement le commanditaire [2].

Les deux sujets semblent complémentaires :

  • le tableau avec Vénus debout, dans lequel les trois personnages portent des ailes (y compris la déesse, ce qui est très rare) représenterait le versant intellectuel et céleste de l’Amour (« Cupidon » serait en fait Antéros) ;
  • le tableau avec Vénus endormie représenterait le côté charnel et terrestre de l’Amour ; satyre au sexe dressé sous le tissu, flèches, brandon allumé. Les trois personnages ont un lien avec l’animalité : pattes du Satyre, carquois en fourrure, peau de lion sous Cupidon, qui serait en fait Eros.

Un obstacle à cette théorie est qu’Eros porte des ailes plus grandes que celles d’Antéros, lesquelles sont par contre irisées : si Le Corrège avait vraiment voulu opposer amour céleste et amour terrestre, n’aurait-il pas inversé la taille des ailes ?


Correge 1525 schema
Il se peut néanmoins que le thème soit bien celui-ci. Mais il suffit de comparer les deux tableaux à la même échelle pour comprendre que, même si celui de Londres a été recoupé, les points du vue et les tailles des personnages sont trop différents pour que les deux aient vraiment fonctionné en pendants (comme d’ailleurs le confirme leur différence de prix dans l’inventaire de la collection Gonzaque).



Correggio 1531Allegory_of_Vice LouvreAllégorie du Vice Correggio 1531Allegory_of_Virtu LouvreAllégorie de la Vertu 

Le Corrège, 1531 Louvre

Allégorie du Vice

Un personnage barbu, évoquant à la fois Silène ivre ou Marsyas écorché, est attaché par les deux mains et un pied à une souche d’arbre. Trois Ménades ou Erinyes le tourmentent : l’une le fait mordre par des serpents qu’elle tient dans ses mains ; les deux autres, qui ont gardé les serpents dans leur chevelure, s’attaquent avec une flûte à son oreille et avec un couteau à son mollet. Au premier plan, un amour tenant une grappe prend le spectateur à témoin : tels sont les effets de l’ivresse, elle excite vos vices et les retourne contre vous. Un pampre de vigne grimpant le long du tronc réitère discrètement le message : le vice tel une liane vous ligote.


Allégorie de la Vertu

Trois femmes ailées, avec lyre et trompette, volent dans une gloire lumineuse ; la quatrième descend décerner la palme et la couronne de laurier à la Vertu Victorieuse, personnifiée par Minerve avec son casque et son bouclier orné de la tête de Méduse. Elle a brisé sa lance dans un monstre sur lequel elle pose le pied, à tête de loup, à pied de chèvre et à queue de serpent. Sa compagne blonde, à gauche, exhibe les symboles des quatre Vertus cardinales : l’épée de la Justice, la bride de la Tempérance, le Lion de la Force et le serpent de la Prudence. Son autre compagne à l’aspect oriental, à droite, mesure le globe céleste avec un compas et montre le ciel de son bras gauche.


La logique du pendant

Second Studiolo Palais Ducal Mantoue
Réalisés pour le second studiolo d’Isabelle d’Este à Mantoue,  les deux tableaux étaient accrochés de part et d’autre de la porte d’entrée, encadrés par  les deux pendants de Mantegna et rivalisant avec eux. Contrairement à l’intuition immédiate, les deux personnages n’étaient pas tournés l’un vers l’autre : la Vertu était accrochée à droite, ignorant le Vice et terminant l’histoire.

Ainsi le spectateur entrait dans la composition par le visage du putto ivre, et en sortait par le dos du putto savant.



La série des Amours des Dieux

Elle se compose de deux tableaux en format horizontal et de deux en format vertical.

Sur la provenance de ces quatre tableaux, deux grandes théories ont été proposées :

  • Pour E.Verheyen [3], les quatre auraient été commandés par Frédéric Gonzague pour décorer la salle d’Ovide du Palais du Té à Mantoue.
  • Pour C.Gould [4], les deux horizontaux auraient été, comme le dit Vasari, commandés par Frédéric Gonzague comme cadeaux pour l’Empereur Charles V d’Autriche. Les deux verticaux (dont Vasari ne parle pas), auraient pu être d’abord commandés par Frédéric pour son propre usage, puis donnés après 1540 à Charles V.

Quoiqu’il en soit, tout les monde s’accorde sur le fait qu’au final la série se décompose en deux pendants, même si l’ordre de leur réalisation reste discuté.

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correge 1530 ca leda Staatliche Museen, Berlin 152 x 191 cmLéda et le cygne, Staatliche Museen, Berlin (152 x 191 cm) [5] correge 1530 ca danae Galleria Borghese 158 x 189 cmDanaé et la pluie d’or, Galleria Borghese, Rome (158 x 189 cm) [6]

Le Corrège, vers 1530

Léda et le cygne

La tableau comporte en fait trois cygnes. Certains les interprètent comme trois moments successifs :

  • 1 en bas à droite, la première rencontre dans le lac
  • 2 au centre, l’accouplement sur la terre ferme ;
  • 3 à droite, le cygne qui s’envole tandis que Léda le suit de yeux en se rhabillant.

Cette interprétation est très superficielle (les trois scènes ne sont pas dans l’ordre chronologique, et aucun des autres tableaux du Corrège ne comporte l’archaïsme des épisodes juxtaposés).



correge 1530 ca leda Staatliche Museen, Berlin 152 x 191 cm detail
La partie gauche du tableau montre un couple d’amours soufflant dans une corne et une flûte, et un jeune homme ailé jouant de la lyre. Pour E.Verheyen, le contraste entre les deux types d’instruments est une allusion érudite au concours entre Marsyas (la flûte) et Apollon (la lyre).



correge 1530 ca leda Staatliche Museen, Berlin 152 x 191 cms schema
En outre, il remarque que les trois instruments de musique (deux terrestres et un divin) recoupent exactement la situation des trois cygnes (deux ordinaires et Jupiter métamorphosé) : l’association, commune à l’époque, entre le chant harmonieux des cygnes et la Musique justifierait cette astuce de composition.


Un pendant interne (SCOOP !)

correge 1530 ca leda Staatliche Museen, Berlin 152 x 191 cms schema interne
Mais si on se focalise sur les figures plutôt que sur leurs attributs, on voit que la composition suit un type très particulier de construction auto’référentielle, dans lequel une partie de la scène fait écho à l’ensemble : j’ai proposé de nommer « pendant interne » ce type très rare de construction auto-référentielle (voir un autre exemple dans Un pendant très particulier : les Fileuses).


Danaé et la pluie d’or

correge 1530 ca danae Galleria Borghese 158 x 189 cm detail

Eros montre dans sa main une pièce d’or tombée du nuage qui a pénétré sous le ciel de lit.

Servant d’intermédiaire entre le dieu et la mortelle, il tient l’un bout du drap pour aider Danaé à recueillir la céleste semence.



correge 1530 ca danae Galleria Borghese 158 x 189 cm amours
Les deux amours, l’un ailé et l’autre aptère, ont été diversement interprétés : ils symboliseraient l’amour sacré et l’amour profane, ils graveraient une tablette avec une flèche. Pourtant la bonne interprétation, difficile à imaginer, se trouve dans Vasari : ils éprouvent sur une pierre de touche le matériau de la pointe de flèche (Cupidon tirait des flèches d’or pour inspirer l’amour, des flèches de plomb pour inspirer la répulsion) ([3], p 188).


Un pendant interne (SCOOP !)

Personne n’a à ma connaissance noté que les gestes des deux amours sont étrangement semblables à ceux des personnages principaux :


correge 1530 ca danae Galleria Borghese 158 x 189 cm detail correge 1530 ca danae Galleria Borghese 158 x 189 cm amours
  • tout comme Eros ailé tient sa pièce d’or de la main droite et le drap de sa main gauche, l’amour ailé tient sa flèche d’or de la main droite et la pierre de touche de l’autre ;
  • tout comme Danaé sans ailes tient le drap entre ses deux mains, l’amour sans ailes tient la pierre entre ses deux mains.



correge 1530 ca danae Galleria Borghese 158 x 189 cm schema
Ainsi, porté par le thème de l’or, Le Corrège développe une métaphore inspirée entre le drap ensemencé et la pierre de touche rayée par le même métal précieux (en violet).

Et du coup apparaît un second pendant interne, similaire à celui celui que nous avons détecté dans le premier tableau.


La logique du pendant (SCOOP !)

correge 1530 ca leda danae schema 1
Cette double utilisation d’une construction rarissime est déjà une première preuve du haut degré d’élaboration du pendant. Mais il y a plus.



correge 1530 ca leda danae schema
Le fait que dans les premier tableau les deux putti soient l’un ailé et l’autre aptère renvoie directement au couple du second panneau, de même que l’Eros jouant d’une lyre dorée renvoie à l’Eros tenant une pièce d’or (en ver).

De même, la chemise remise sous le cygne qui s’envole annonce, dans le second tableau, le drap tiré sous le nuage qui arrive (en rose).

Ainsi Jupiter monte au ciel dans la scène en extérieur, et en descend dans la scène en intérieur.



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Le second pendant des Amours des Dieux est tout aussi extraordinaire. Les deux toiles sont encore accrochées côte à côte, au Kunsthistorisches Museum de Vienne.

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Correge 1530 ca Enlevement de ganymede Kunsthistorisches Museum Wien 163,5× 72 cmEnlevement de Ganymède (163,5× 72 cm) [8] Correge 1530 ca Jupiter et Io Kunsthistorisches Museum Wien 184 x 92,5Jupiter et Io (184 x 92,5 cm) [9]

Le Corrège, vers 1530, Kunsthistorisches Museum, Vienne

L’Enlevement de Ganymède

La présence du chien est une nouveauté iconographique, justifiée par le fait que Ganymède, selon la tradition, était soit un chasseur soit un pâtre.


Ganymede 1528-30 saguine Offices

Ganymède
Michel-Ange, 1528-30, sanguine, Offices, Florence

L’idée est dans l’air du temps : Michel-Ange représente le chien levant la tête, à côté du manteau et de la besace du berger.
Mais Le Corrège, en cadrant uniquement la tête levée, en augmente l’expressivité, un peu comme dans le procédé, alors courant en Italie, du donateur dont seule la tête apparaît en bas du cadre (voir 2-8 Le donateur in abisso).

Comme de nombreux commentateurs l’ont remarqué [7], la tête de chien joue plusieurs rôles :

  • amorcer l’effet d’élévation, (le spectateur se mettant implicitement à la place du chien) ;
  • matérialiser l’arrachement (échec à protéger son maître, enlevé comme un mouton) ;
  • servir d‘antithèse à l’aigle (l’amour du domestique mis en échec par l’appétit du rapace).


Rapt et ravissement (SCOOP !)

Correge 1530 ca Enlevement de ganymede Kunsthistorisches Museum Wien 163,5× 72 cm detail
Le désir de l’aigle léchant sensuellement le poignet se substitue à l’affection du chien pour son maître, et inverse le rapport de domesticité (Ganymède va devenir l’échanson de Jupiter).

Plastiquement, le regard direct de Ganymède fait monter le spectateur de la place du chien à la place de l’adolescent ravi (dans le double sens du mot).

Toute la subtilité du tableau tient à l’ambiguïté des gestes : de sa main droite Ganymède enlace le cou de son ravisseur, tandis que de l’autre il empêche le battement de l’aile.



Correge 1530 ca Enlevement de ganymede Kunsthistorisches Museum Wien 163,5× 72 cm detail serres
Le désir de l’aigle est en revanche univoque : des deux serres il agrippe le manteau de l’agréable proie, et l’emporte pour sa propre consommation autant qu’il le déshabille à l’usage du spectateur.


Les deux arbres

Correge 1530 ca Enlevement de ganymede Kunsthistorisches Museum Wien 163,5× 72 cm detail arbres

Le tronc creux et la jeune pousse ont clairement ment un sens symbolique. La situation du chien entre les deux – animal terrestre et prosaïque – suggère une première interprétation : si haut que pousse un arbre sur la terre, il finit toujours par s’effondrer ; seule l’élection par un Dieu propulse un mortel dans les hauteurs.

Nous reviendrons bientôt  sur ce sens symbolique, à la lumière du second tableau.


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Jupiter et Io

Correge 1530 ca Jupiter et Io Kunsthistorisches Museum Wien 184 x 92,5 Pastel XIXeme retaille

Tout comme les relevés de l’abbé Breuil pour les peintures rupestres, une copie au pastel du XIXème siècle va nous permettre d’étudier ce tableau tellement vu, mais si peu regardé.

Le pastel a pour premier mérite de mettre en évidence les deux éléments anthropomorphes dans la nuée : le visage du jeune homme, mais aussi sa main, qui passe souvent inaperçue.


Le « cerf assoiffé »

Correge 1530 ca Jupiter et Io Kunsthistorisches Museum Wien 184 x 92,5 detail cerf
Tous les commentateurs du passé ont parlé de cet animal, que les commentateurs d’aujourd’hui passent en général sous silence. E.Verheyen en a donné l’explication ([3] , p 181) : il s’agit d’une référence, courante à l’époque, à un passage du psaume 41 :

Comme un cerf altéré cherche l’eau vive, ainsi mon âme te cherche, toi, mon Dieu.

Le cerf assoiffé deviendra un peu plus tard, dans l’Iconologie de Ripa, le symbole du Désir de Dieu. On comprend le lien avec Danaé épousant son nuage :

Le Corrège fait cohabiter dans la même toile deux images, l’une antique et l’autre biblique, de la Soif de divin.

Mais il y a plus étonnant.


De la vache au cerf (SCOOP !)

Correge 1530 ca Jupiter et Io Kunsthistorisches Museum Wien cerf
Notre copiste anonyme a fait beaucoup d’efforts pour faire ressembler à un cerf l’animal dessiné par Le Corrège : il a allongé et incliné le museau, et considéré que les quatre pointes constituaient une seul corne.



Geweihe_Pierer
Or il n’existe aucun bois de cervidé qui y ressemble. Dans un tableau destiné à un duc ou à un empereur de la Renaissance, comment imaginer que Le Corrège ait commis une telle erreur ?



Correge 1530 ca Jupiter et Io Kunsthistorisches Museum Wien vache cerf
La seule possibilité que je vois – et je suis conscient du sacrilège vis à vis de l’Histoire de l’Art – est qu’il s’agit d’un unicum iconographique : Le Corrège n’a pas représenté un cerf, mais une vache qui s’abreuve, et dont poussent sur les deux cornes une excroissance vers l’avant : autrement dit une vache qui se transforme en cerf !

Il n’y a ni dans la mythologie ni dans les Fables aucun exemple d’une telle transformation. En revanche, il existe une très célèbre transformation en vache : et c’est justement celle d’Io, ainsi punie par Junon de s’être accouplé avec Jupiter. Et c’est probablement ce que le tableau nous montre :

Io déchue en vache qui boit après s’être accouplée avec son nuage, puis de nouveau promue, par le pouvoir métamorphosant et christianisant de la Peinture, en symbole de la Soif de Dieu.


Les racines et le vase (SCOOP !)

Correge 1530 ca Jupiter et Io Kunsthistorisches Museum Wien vase tronc
Notre pastelliste anonyme a fait un effort méritoire pour transcrire un autre détail dont personne n’a jamais parlé : le récipient au dessus de la bête qui boit. Or pas plus que celle-ci n’est un cerf, celui-ci n’est un « pot à fleurs ».

Il s’agit en fait d’un vase rempli d’eau à ras-bord (voir l’horizontale blanche qui marque la surface, et les verticales blanches des filets qui débordent).

Et la masse terreuse au-dessus n’est pas une motte de gazon, mais un arbre déraciné, dont une racine tente de descendre jusqu’à la flaque, tandis qu’une autre s’entoure vainement autour de l’anse : un arbre déraciné et qui a soif !

A ce stade, ce qu’indubitablement nous voyons outrepasse ce que nous pouvons comprendre : aucune source, aucun texte sur lequel s’appuyer – pas plus d’ailleurs que n’en avaient les spectateurs de l’époque. Mais là où la logique interne est en défaut, il nous reste heureusement une autre voie…


La logique du pendant (SCOOP !)

On a remarqué que les deux figures principales, Ganymède le jeune homme et Io la jeune femme, sont liés par leur destin commun : finir sous forme de constellation (le Verseau pour Ganymède, le Taureau pour Io). Mais ceci est loin d’épuiser la richesse du pendant. Partons plutôt de l’idée que les deux ont été choisis pour des raisons symboliques :

  • Ganymède comme symbole de l’Aspiration à s’élever,
  • Io comme symbole de la soif du Divin, ou plus précisément de la Pureté (l’eau).

Il se trouve que les figures secondaires du chien et de la vache-cerf forment aussi un couple : chien et ruminant, auxiliaire du berger et bétail. Et que ce couple animal s’inscrit dans la même polarité : museau dressé pour regarder en l’air, mufle baissé pour boire.

Nous avons maintenant un autre élément commun : le tronc brisé d’un côté et déraciné de l’autre : autrement dit un arbre qui ne peut plus s’élever, et un arbre qui ne peut plus boire.

Il reste mécaniquement un quatrième couple : la jeune pousse et le pot rempli d’au. Autrement dit l’arbre qui s’élève et le récipient qui se remplit.



Correge 1522 ca Synthese Ganymede Io
Sans grimper grandement dans l’abstraction, on peut baptiser assez simplement ces quatre niveaux, transversaux aux deux grands thèmes de l’Elévation et de la Soif :

  • l’expérience primitive (chien et vache-cerf) (en bleu) ;
  • l’expérience de l’absence (tronc mort, tronc déraciné) (en rouge) ;
  • l’expérience commune (arbre qui pousse, récipient qui se remplit) (en vert) ;
  • l’expérience transcendante, réservé à celui ou celle que le Divin a choisi.



correge 1530 ca ganymede io quatre niveaux
Ces quatre niveaux se répartissent dans le pendant en sections assez symétriques.



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Muni de cette grille de lecture, il est tentant de revenir au premier pendant : fournira-t-il, lui aussi, deux autres modalités de la Fusion avec le Divin, qui deviendrait ainsi le nouveau titre de la série ?

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La Fusion avec le Divin (SCOOP !)

Evidemment cela fonctionne (c’est le propre de toute bonne de lecture) en considérant simplement que que

  • Léda illustre la recherche de l’Harmonie (symbolisée par le cygne) ;
  • Danaë illustre la recherche de la Perfection (symbolisée par l’or).



correge 1530 ca danae Galleria Borghese 158 x 189 cm detail tour
Il faut auparavant rappeler que Danaë avait été enfermée par son père dans une tour, afin de protéger sa virginité. Pour E.Verheyen ([3] , p 181), le fenêtre montre une seconde tour, encore en construction : un bon candidat pour illustrer la non-Perfection.


correge 1530 ca leda danae quatre niveaux
Correge 1522 ca Synthese
On retrouve assez facilement les quatre niveaux, cette fois déclinés selon deux autres grandes aspirations, à l’Harmonie et à la Perfection.


La logique des deux pendants (SCOOP !)

Indépendamment de cette grille détaillée, on voit clairement que c’est l’ensemble des deux pendants qui fait système :

Correge 1522 ca Schema general
Le pendant vertical fonctionne selon le même principe que le pendant horizontal : montée à gauche, descente à droite (flèches jaunes).

Les quatre avatars de Jupiter choisis forment deux couples animal / matière antagonistes :

  • cygne blanc / or pesant et inaltérable
  • aigle noir / nuée légère et évanescente.



Références :
[1] http://www.correggioarthome.it/SchedaOpera.jsp?idDocumentoArchivio=2515#
http://www.correggioarthome.it/SchedaOpera.jsp?idDocumentoArchivio=2516#
[2] Guido Rebecchini, « New Light on Two ‘Venuses’ by Correggio » , Journal of the Warburg and Courtauld Institutes, Vol. 60 (1997), pp. 272-275 https://www.jstor.org/stable/751238
[3] Verheyen, Egon (1966). « Correggio’s Amori di Giove ». Journal of the Warburg and Courtauld Institutes. XXIX: 160–192 https://www.jstor.org/stable/750714
[4] Gould, Cecil (1976). The paintings of Correggio. London. pp. 130–131 https://archive.org/details/paintingsofcorre0000goul/page/130
[5] https://en.wikipedia.org/wiki/Leda_and_the_Swan_(Correggio)
[6] https://en.wikipedia.org/wiki/Dana%C3%AB_(Correggio)
[7] Frédérique Villemur, « Le chien de Ganymède : contrepoint au sublime ? » dans GANYMÈDE OU L’ÉCHANSON, Véronique Gély https://books.openedition.org/pupo/1770
[8] https://en.wikipedia.org/wiki/Ganymede_Abducted_by_the_Eagle
[9] https://en.wikipedia.org/wiki/Jupiter_and_Io

Les pendants de Titien

22 avril 2020
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Dans l’oeuvre immense de Titien, il n’existe que trois pendants : mais l’un d’entre eux, en 1556-59, est l’un des plus riches et des plus profonds jamais réalisés.



Ecce homo / Mater Dolorosa

Je résume ici l’article récent de Paul Joannidès, qui est un modèle d’enquête érudite [1]


La version pour Charles V d’Autriche

Titien 1547 Ecce homo sur ardoise Prado 69x56 cm
Ecce homo
Titien, 1547, Prado, 69 x 56 cm, sur ardoise

Titien amena avec lui cet Ecce homo, lors de son voyage à Augsbourg en août 1548, pour le présenter à l’empereur Charles V. Conçue comme une image isolée, cette demi-figure fusionne deux iconographies :

  • celle de la Dérision du Christ, un moment précis de la Passion ;
  • celle plus abstraite de l’Homme de Douleurs, image de piété montrant le Christ sortant du tombeau environné des instruments de la Passion.

Quelques années plus tard, Charles V eut l’idée de le faire monter en pendant avec une Mater Dolorosa du peintre flamand Michael Coxcie, peinte sur bois.


Titien 1547 Ecce homo sur ardoise Prado 69x56 cmEcce homo , Titien, 1547, Prado, 69 x 56 cm, sur ardoise Titien 1553 Mater Dolorosa sur bois Prado 68 x 61 cmMater Dolorosa, Titien, 1553, Prado 68 x 61 cm, sur bois

Piqué par la concurrence, Titien envoya en 1553 une Mater Dolorosa sur bois, pour remplacer celle de Coxcie.


Titien 1547 Ecce homo sur ardoise Prado 69x56 cmEcce homo , Titien, 1547, Prado, 69×56 cm, sur ardoise Titien 1555 Mater Dolorosa sur marbre Prado 68 x 53 cmMater Dolorosa, Titien, 1555, Prado, 68 x 53 cm, sur marbre

Apparemment peu satisfait, l’Empereur envoya l’année suivante un modèle (aujourd’hui perdu) à Titien qui lui renvoya cette nouvelle version sur ardoise.

Les conditions très particulières de la réalisation de ce « pendant » excluent ici toute conception d’ensemble.


Le pendant pour Philippe II d’Espagne

Anonyme Ecce homo Mater dolorosa Prado

Ecce homo et Mater Dolorosa, Anonymes, vers 1556, Prado [1]

Vers 1555, Titien peint pour le nouvel Empereur, Philippe II, un autre pendant aujourd’hui perdu. Selon Paul Joannidès, il devait se rapprocher de ces deux copies, de taille et de mains différentes.

Pour autant que la restitution soit exacte, ce pendant trahit une unité de conception :

  • les deux personnages ont les yeux baissés, chacun abîmé dans sa propre douleur ;
  • aux mains du Christ croisées vers le bas, réunissant ces trois objets de la Dérision que sont le manteau de pourpre, la corde et le roseau, s’opposent les mains vides de Marie, simplement jointes vers le haut.



La série des « poésies » pour Philippe II

Entre 1549 and 1562, Titien va produite pour Philippe II une série de sept grandes toiles mythologiques, qu’il nommait ses « poésies ». La série comporte un pendant probable, et un pendant confirmé.


De la Vénus d’Urbino à la Danaé de Naples

Titien 1538 Venus d'Urbino Offices FlorenceVénus d’Urbino, Titien, 1538, Offices, Florence TiTien 1544 Danae et Cupidon, Museo Nazionale Di Capodimonte, Naples radiographieDanaé et Cupidon, 1544, Museo Nazionale Di Capodimonte, Naples (radiographie)

Roberto Zapperi a montré que la Danaé et Cupidon réalisée pour Alessandro Farnese était une version édulcorée, pour les besoins du Cardinal, de sa très érotique Vénus d’Urbino [2]. La radiographie révèle qu’initialement, la femme nue se trouvait dans un intérieur d’époque : en rajoutant une colonne, un Cupidon et un nuage de pièces d’or, Titien transforma le sujet scabreux en un respectable sujet mythologique.


TiTien 1544 Danae et Cupidon, Museo Nazionale Di Capodimonte, Naples radiographieDanaé et Cupidon, 1544, Museo Nazionale Di Capodimonte, Naples, 120 × 172 cm Titien 1544-45 Venus et Adonis gravure de stange 1779 inverseeVénus et Adonis, 1544-45, gravure de Stange, 1779 (inversée)

On sait que Titien peignit ensuite pour Alessandro Farnese une Vénus et Adonis aujourd’hui perdue. D’après un inventaire de 1680, la toile mesurait environ 123 x 149 cm. et était accrochée à côté de la Danaé. La plupart des spécialistes considèrent, malgré la différence de taille, qu’il s’agissait d’un pendant et qu’il nous est restitué par cette gravure de Stange (mais tous les spécialistes ne sont pas d’accord, voir un résumé de la discussion sur le site de la NGA [3] ).

Un excellent motif de jonction pourrait être le Cupidon, qui sort du premier tableau avec son arc et l’accroche dans le second à un arbre pour caresser une colombe. Mais la différence de taille entre les figures, et le déséquilibre inévitable entre un sujet à un seul personnage et un sujet de couple (qui plus est accentué par la présence des deux chiens) laisse très dubitatif. De plus les deux sujets n’ont rien à voir : d’un côté une des nombreuses métamorphoses de Zeus (ici en pluie d’or) pour féconder une mortelle, de l’autre Vénus tentant d’empêcher Adonis de partir à la chasse, où il va  trouver la mort.

Que les deux Titien aient été accrochés l’un à côté dans la collection Farnese de l’autre n’en fait pas pour autant des pendants.


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Un exemple de Paragone

Les deux premières toiles réalisées pour Philippe II reprennent les sujets précédemment mis au point pour Alessandro Farnese,


Titien 1553 Danae (version Wellington) Apsley House LondresI Danae (version Wellington), 1553, Apsley House, Londres (114.6 x 192.5 cm) [4] Titien 1554 Venus and Adonis PradoII Vénus et Adonis, 1554, Prado, Madrid (186 x 207 cm) [5]

Dans une lettre de septembre 1554 à Philippe II, le peintre fait valoir que les deux peintures offriraient des vues de face et de dos d’une femme nue, permettant ainsi à la peinture de rivaliser avec la sculpture (voir Comme une sculpture (le paragone)). Mais la taille très différente des deux toiles, et les problèmes de composition déjà évoqués, font qu’il ne parle pas de pendants, même s’il y songe peut-être déjà pour la suite de la série.


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Un pendant possible

Titien 1554-56 Persee et Andromede Wallace Collection 175 × 189.5 cmIII Persée et Andromède, 1554-56, Wallace Collection, Londres (175 × 189.5 cm) [6] point_interrogationIV Jason et Médée

On sait que les deux toiles suivantes devaient former pendant : à « Persée et Andromède » devait être associé un « Jason et Médée » qui ne fut sans doute jamais réalisé. La radiographie a montré que dans un premier état, Andromède était placée à droite, et fut déplacée à gauche à un moment inconnu.


Titien 1559 La mort d'Acteon National Gallery 178.4 x 198.1 cmVI La mort d’Acteon, 1559 , National Gallery (178.4 x 198.1 cm) [8] Titien 1560-62 Le rapt d'Europe Isabella Stewart Gartner Museum Boston 178 × 205 cmVII Le rapt d’Europe, 1560-62, Isabella Stewart Gartner Museum, Boston (178 × 205 cm) [7]

Dans une lettre à Philippe II du 19 juin 1559, Titien dit travailler sur ses deux dernières « poésies » :

« Après leur envoi <des tableaux IV et V>, je me consacrerai entièrement à l’achèvement du Christ sur la montagne et des deux autres poésies que j’ai déjà commencées – je veux dire ‘« Europe sur les épaules du taureau » et « Actéon déchiré par ses chiens ». Dans ces pièces, je mettrai toute la connaissance que Dieu m’a donnée, et qui a toujours été et sera toujours consacrée au service de Votre Majesté. Qu’il vous plaise d’accepter ce service, pour autant que je puisse utiliser mes membres, vaincus par le poids de l’âge <71 ans> . » [9]

Mais travailler simultanément sur les deux ne signifie pas qu’il les concevait comme des pendants : rien dans la composition ne l’indique.


Titien 1554-56 Persee et Andromede Wallace Collection 175 × 189.5 cmIII Persée et Andromède, 1554-56, Wallace Collection, Londres (175 × 189.5 cm) Titien 1560-62 Le rapt d'Europe Isabella Stewart Gartner Museum Boston 178 × 205 cmVI Le rapt d’Europe, 1560-62, Isabella Stewart Gartner Museum, Boston (178 × 205 cm)

En revanche, apparier l’Enlèvement d’Europe avec le Persée et Andromède réalisé cinq ans plus tôt prend tout son sens tant les compositions sont symétriques (c’est l’opinion de Panofski [10], bien qu’aucun texte ne le confirme).


La logique du pendant (SCOOP !)

Deux trios s’opposent :

  • femme attachée et immobile, femme enlevée et en mouvement ;
  • monstre marin vaincu, taureau triomphant (Jupiter métamorphosé) ;
  • des guerriers en vol : Persée et son glaive, deux amours avec leur arc et leurs flèches.

Le dédoublement des amours, nécessaire pour équilibrer la masse de Persée, est aussi l’occasion d’un ingénieux motif de jonction :


Titien 1560-62 Le rapt d'Europe Isabella Stewart Gartner Museum Boston 178 × 205 cm detail 1 Titien 1560-62 Le rapt d'Europe Isabella Stewart Gartner Museum Boston 178 × 205 cm detail1

l’amour de gauche mime la pose de Persée ;


Titien 1560-62 Le rapt d'Europe Isabella Stewart Gartner Museum Boston 178 × 205 cm detail2 Titien 1560-62 Le rapt d'Europe Isabella Stewart Gartner Museum Boston 178 × 205 cm detail 2

l’amour de droite inverse celle d’Europe (la main sur l’arc imitant la main sur la corne) .


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Un pendant confirmé

Titien 1556-1559 Diane et Acteon, Londres, National Gallery et Edimbourg, National Gallery of ScotlandIV Diane à la fontaine surprise par Actéon (185 × 202 cm) [11] Titien 1556 Diana Callisto Edimbourg, National Gallery of ScotlandV Diane et Callisto (187 cm × 204.5 cm) [12]

Titien, 1556-1559 , National Gallery, Londres et National Gallery of Scotland, Edimbourg

Pratiquement tous les historiens d’art considèrent ces deux toiles, peintes et livrées ensemble, comme des pendants assurés. Depuis Panofsky, on place en général l’Actéon à gauche, à cause de la symétrie entre le rideau rose et le dais doré qui ferment les deux bords.



Titien 1556 Diana schema
Cette disposition, qui semble effectivement la plus logique, révèle une conception d’ensemble très structurée :

  • l’éclairage vient des bords (voir la direction des ombres sous les pieds) ;
  • dans le même sens que la lumière, les deux actions (flèches jaunes) convergent vers le centre : d’Actéon et son chien vers Diane, de Diane et son chien vers Callisto ;
  • les deux cibles de la lumière et de l’action, Diane qui se voile et Callisto que l’on dévoile, sont ainsi mises en équivalence ;
  • deux pilastres (en gris) séparent en deux camps inégaux les deux protagonistes de chaque action.

Après cet aperçu d’ensemble, il est temps d’envisager chacune des oeuvres dans ses particularités, avant de conclure par une autre vue d’ensemble.



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Diane à la fontaine surprise par Actéon

Titien 1556-1559 Diane et Acteon, Londres, National Gallery et Edimbourg, National Gallery of Scotland
Dans une fontaine au fond des bois, le chasseur Actéon (par désir selon certains, ou simplement « entraîné par le destin » selon les Métamorphoses Ovide) voit Diane qui se baigne avec ses compagnes. Pour le punir (de sa curiosité ou de son impudence), la déesse lui jette du l’eau, ce qui le transforme en cerf, puis le fait déchiqueter par ses chiens.

Titien innove par rapport aux représentations traditionnelles en s’arrêtant avant l’épisode spectaculaire de l’aspersion et de la transformation en cerf.


La déesse cachée (SCOOP !)

Titien 1556-1559 Diane et Acteon, Londres, National Gallery et Edimbourg, National Gallery of Scotland detail noire

Tandis qu’Ovide précise que les compagnes font cercle autour de Diane pour la dissimuler, Titien invente le geste de se couvrir d’un voile, aidée par une servante noire. Celle-ci a été diversement expliquée : Marie Tanner [13], dans un bombardement iconographique à la Panofsky, y reconnait une image de la Fortune (autrement dit le Hasard qui a conduit Actéon à son malheur).
Je penche quant à moi pour un développement graphique à partir du texte d’Ovide :

« Tel que sur le soir un nuage se colore des feux du soleil qui descend sur l’horizon; ou tel que brille au matin l’incarnat de l’aurore naissante, tel a rougi le teint de Diane exposée sans voiles aux regards d’un mortel. » Ovide, Métamorphoses, 3, 181-185

De même que le rose du rideau est une allusion au coucher ou au lever du soleil mentionné par Ovide, la servante noire est probablement une personnification de la Nuit, qui cache la Lune sous son « voile ».


Le présage des cerfs

Titien 1556 Diana Callisto Edimbourg, National Gallery of Scotland detail cranes

La plupart de commentateurs considèrent que le grand crâne de cerf (dont les bois fusionnent visuellement avec les branches) est une allusion au destin funeste d’Actéon. Allusion redoublée par la peau et la seconde tête accrochées un peu plus loin.



Titien 1556-1559 Diane et Acteon, Londres, National Gallery et Edimbourg, National Gallery of Scotland detail cerf

On peut voir un autre écho de ce destin dans cette minuscule image d’un cerf pourchassé à l’arrière-plan (les chiens, trop petits pour être lisibles étant ingénieusement masqués par le tronc)



Titien 1556-1559 Diane et Acteon, Londres, National Gallery et Edimbourg, National Gallery of Scotland bras gauche
Il semble légitime de relier ces présages funestes au geste de recul qu’esquisse la main gauche d’Actéon.


La fontaine aux reflets (SCOOP !)

Titien 1556-1559 Diane et Acteon, Londres, National Gallery et Edimbourg, National Gallery of Scotland detail vision

Le filet d’eau qui s’écoule au bas de la fontaine serait-il une allusion à l’aspersion non représentée ? James Lawson [14], qui a analysé en détail cette partie du tableau, note que le miroir reflète justement ce filet d’eau.Pour lui, le miroir et la carafe sont les attributs de Vénus : elle se dissimulerait sous les traits de la nymphe qui d’une main tient le miroir et de l’autre relève le rideau qui cache Actéon. Cette identification hasardeuse l’empêche de développer une idée qu’il note incidemment : « il se pourrait qu’Actéon ait d’abord vu Diane en reflet dans la fontaine« .


La double surprise (SCOOP !)

Titien 1556-1559 Diane et Acteon, Londres, National Gallery et Edimbourg, National Gallery of Scotland bras droit

Si Titien a placé là le miroir, c’est certes pour attirer l’attention sur le filet d’eau qui menace déjà le pied d’Actéon (second présage de sa transformation). Mais surtout pour introduire l’idée de reflet, qu’il redonde par celui de la carafe sur la pierre) ou ceux des amours dans l’eau .

Actéon, caché derrière le rideau, lorgnait Diane par en dessous, via son reflet. La nymphe perspicace déclenche la double surprise qui est le thème du tableau, et qui se traduit visuellement pat le même mouvement inversé : le rideau qui se lève sur Actéon, le voile qui tombe sur Diane.

Le geste de la main droite d’Actéon est particulièrement révélateur. Voyez-vous de quoi il s’agit ?

Voir la réponse...

Il marque la surprise d’Actéon, qui vient de lâcher son arc.


Diane à la fontaine surprise par Actéon : synthèse

Titien 1556-1559 Diane et Acteon, Londres, National Gallery et Edimbourg, National Gallery of Scotland schema
Ce schéma résume les différents points que nous venons de détailler :

  • Diane voit Actéon à cause du rideau relevé (en vert) ;
  • Actéon ne voit plus Diane à cause du voile baissé (en rouge)
  • sa main gauche repousse le présage des cerfs (en gris) ;
  • sa main droite marque sa surprise et sa défaite : chasseur maintenant désarmé, il est sur le point de se transformer en proie.

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Diane et Callisto

Titien 1556 Diana Callisto Edimbourg, National Gallery of Scotland
Titien nous montre ici non plus le début, mais la fin d’un autre mythe lié à Diane. Callisto, sa nymphe préférée, a été engrossée par Jupiter qui avait pour se faire pris la forme de la déesse elle-même. Neuf lunes plus tard, celle-ci décide de prendre un bain :

« Tous les témoins sont loin ; plongeons nos corps nus dans ces ondes généreuses ». Callisto rougit ; toutes les nymphes se déshabillent ; elle seule se fait prier ; comme elle hésite, on lui ôte son vêtement, ce qui révèle son corps nu et met sa faute en évidence. Interdite, elle cherche de ses mains à cacher son ventre. « Pars d’ici, et ne souille plus ces sources sacrées », lui dit Diane, lui ordonnant de s’écarter de sa troupe. » Ovide, Métamorphoses, Livre II, 460-465

Plus tard, après la naissance de son fils Arcas, Junon la métamorphosera en ourse, mais ceci est une autre histoire.



Titien 1556 Diana Callisto Edimbourg, National Gallery of Scotland Junon
Junon est la femme en rose, à la coiffure sophistiquée, à laquelle Diane désigne sa rivale et future victime.


Les données du problème (SCOOP !)

Titien 1556 Diana Callisto Edimbourg, National Gallery of Scotland detail eclair

A l’aplomb du ventre dénudé de Callisto, la foudre au dessus des bois (Jupiter) et la statuette d’enfant (sa progéniture) rappellent les données du drame.


La chasteté de Diane (SCOOP !)

Titien 1556 Diana Callisto Edimbourg, National Gallery of Scotland detail dais
Le dais doré au dessus de Diane est orné de licornes blanches, symboles de sa virginité.

Mais un autre détail n’a pas été correctement interprété jusqu’ici : il s’agit des deux scènes gravées qui, juste sous la signature TITIANUS, ornent le socle de la statuette :



Titien 1556 Diana Callisto Edimbourg, National Gallery of Scotland detail bas reliefs

  • en haut, devant une déesse en arme, une nymphe met un cerf en fuite (comprendre : chasser le masculin) ;
  • en bas, une licorne est amenée à la même déesse dénudée (comprendre : coucher avec sa propre chasteté).


Des armes suspectes (SCOOP!)

Titien 1556 Diana Callisto Edimbourg, National Gallery of Scotland fleche1 Titien 1556 Diana Callisto Edimbourg, National Gallery of Scotland fleche 2

A droite, deux nymphes manipulent des sortes de flèches manifestement surdimensionnées par rapport à celles qui emplissent les carquois : ce sont des javelots empennés, ou dards, une arme de trait rare dont Titien fait ici un usage déconcertant. Dans son Vénus et Adonis, celui-ci manipule un dard puissamment métaphorique qui « transperce » visuellement le corps de le déesse. Mais ici rien de tel : les deux dards pointes en bas ne visent que la terre.

Je pense qu’ils fonctionnent dans l’image comme l‘antithèse du foudre de Jupiter, sortes d’éclairs stériles opposés au principe fertile : le culte armé de la chasteté est une passion mortifère.


Diane et Callisto : synthèse

Titien 1556 Diana Callisto Edimbourg, National Gallery of Scotland schema

  • Diane constate la faute de Callisto par un double dévoilement, et simultanément la bannit (en vert) ;
  • l’origine et la conclusion du problème (Jupiter et l’enfant à naître) sont rappelés au dessus (en gris) ;
  • les dards tenus pointe en bas s’opposent à la foudre fertile.



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La logique du pendant

Titien 1556-1559 Diane et Acteon, Londres, National Gallery et Edimbourg, National Gallery of Scotland detail bottines Titien 1556 Diana Callisto Edimbourg, National Gallery of Scotland detail bottines

Dans les deux tableaux, des bottines rouges désignent la victime de Diane.



Titien 1556 Diana schema1
Entre les deux jets d’eau, le ruisseau en courbe établit une continuité. Il sert aussi à faciliter la lecture en séparant, dans chaque scène, celui ou celle qui voit (en grand, sur la rive côté spectateur) et celle qui est vue (en plus petit, sur la rive opposée.


Titien 1556 Diana schema2

Une fois réduites à leurs traits essentiels, les deux compositions révèlent l’exploit d’unification graphique accompli par Titien :

  • la suite ou le début de l’histoire sont rappelés (en gris),
  • l’action principale est traduite par un jeu de voiles (en vert et rouge),
  • une arme résume le thème principal (en bleu) :
    • l’arc lâché par Actéon dit sa surprise et sa transformation en proie ;
    • les dards maniés par les nymphes dénoncent la chasteté stérile.


Le clin d’oeil final (SCOOP !)

Titien 1556-1559 Diane et Acteon, Londres, National Gallery et Edimbourg, National Gallery of Scotland detail bouches
Reste, dans le coin vénusien du tableau dédié à la victime masculine, un détail que personne n’a expliqué : quelle est cette plaque de pierre sous les orteils de la nymphe ?

Manifestement, cette sorte d’autel où s’étagent des objets lourds de sens doit être lu de manière symétrique  : de même que les amours sculptés du bas tiennent entre eux un objet rond (un miroir ?), ceux du haut encadrent la carafe emplie d’eau pure.

Au registre inférieur, le mufle animal dissimulé sous la robe, avec son jet d’eau, s’oppose à la tête de vieillard d’où plus rien ne jaillit.

Au registre supérieur, le miroir tenu par une main féminine reflète le jaillissement ; tandis que la tablette opaque, foulée aux pieds par l’autre nymphe, cache au spectateur sa face ornée, au dessus de la bouche vide.


Titien 1556-1559 Diane et Acteon, Londres, National Gallery et Edimbourg, National Gallery of Scotland detail vieillard

Entre transparence et opacité, entre reproduction mécanique et surface nue, entre jaillissement animal et vieillesse, le message muet de la tête chenue appartient à l’intimité du peintre.



Références :
[1] Paul Joannides, « Paintings of the Man of Sorrows by Titian and his studio, II » dans Colnaghi Journal 06, p 366 march 2020,
https://www.paperturn-view.com/uk/colnaghi/cf-studies-journal-06?pid=NzU75965&p=37&v=3
[2] Roberto Zapperi « Alessandro Farnese, Giovanni della Casa and Titian’s Danae in Naples », Journal of the Warburg and Courtauld Institutes, Vol. 54 (1991), pp. 159-171 https://www.jstor.org/stable/751486
[3] https://www.nga.gov/collection/art-object-page.1223.html#entry
[4] https://en.wikipedia.org/wiki/Dana%C3%AB_(Titian_series)
[5] https://en.wikipedia.org/wiki/Venus_and_Adonis_(Titian)
[6] https://en.wikipedia.org/wiki/Perseus_and_Andromeda_(Titian)
[7] https://en.wikipedia.org/wiki/The_Rape_of_Europa_(Titian)
[8] https://www.nationalgallery.org.uk/paintings/titian-the-death-of-actaeon
[9] Charles FitzRoy, « The Rape of Europa: The Intriguing History of Titian’s Masterpiece »
https://books.google.fr/books?id=zhF0BgAAQBAJ&pg=PT21#v=onepage&q&f=false
[10] Panofski, « Problems in Titian, mostly iconographic », 1969, p 165
[11] https://www.nationalgallery.org.uk/paintings/titian-diana-and-actaeon
[12] https://www.nationalgallery.org.uk/paintings/titian-diana-and-callisto
[13] Marie Tanner, « Chance and Coincidence in Titian’s Diana and Actaeon », The Art Bulletin Vol. 56, No. 4 (Dec., 1974), pp. 535-550 https://www.jstor.org/stable/3049300
[14] James Lawson, « Titian’s Diana Pictures: The Passing of an Epoch » Artibus et Historiae Vol. 25, No. 49 (2004), pp. 49-63 https://www.jstor.org/stable/1483747

Les précurseurs : 2 autres sujets

19 avril 2020
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 Dès le XVIème siècle sont explorés toute une série de sujets, dont certains deviendront par la suite des standards des pendants.

 Les âges de l’Homme et de la Femme

meister bandrolle 1475 zehn lebensalter des Mannes, Bayerisches Staatbibliothek

Les dix âges de l’homme, Maître aux banderoles, vers 1475, Bayerisches Staatbibliothek

Le thème des Ages de l’Homme a mis du temps à trouver sa forme idéale : ici les dix Ages  sont répartis en deux lignes, chacun illustré par un animal symbolique (chien, taureau, faucon, lion, renard, loup, chat, chien, âne, oie) [1] .


Jorg Breu (der Jungere), Escalier de la vie 1540 ca RijhsmuseumL’Escalier de la vie (Lebenstreppe), Jörg Breu le Jeune ?, 1540 Cristofano Bertelli, c. 1560 Escalier de la vie masculine RijksmuseumL’Escalier de la vie de l’homme, Cristofano Bertelli, vers 1560

Rijksmuseum, Amsterdam

L’image prend une forme nouvelle à partir de 1540, sous forme d’une construction en gradins peut-être inspirée par les pignons des pays germaniques : l’Escalier de la Vie. On retrouve dans des niches presque les mêmes animaux, uniquement des quadrupèdes (bouc, veau, taureau, lion, renard, loup, chien, chat, âne). Sous l’arche, un couple comparaît devant Dieu au jour du Jugement Dernier entre les Elus et les Damnés, de sorte que les Ages qui montent vers la quarantaine rugissante se trouvent côté Paradis et ceux qui en descendent côté Enfer. Manière habile d’appuyer une nouveauté iconographique sur une formule bien rodée.

Peu de temps après, Bertelli reprend la même idée, en version italienne et loquace : les quadrupèdes dans les niches sont proches de ceux de la gravure allemande et agrémentés chacun d’une notice explicative : porcelet (manières frustres), agneau (innocence), chevreuil (agilité), taureau (force), lion (roi parmi les mortels), renard (ruse), loup (avidité), chien de chasse (avarice), âne (« comme un vieil âne qui se couche et renâcle, le vieillard s’assied et mange en marmottant ») [2].

La scène sous l’arche s’est redéployé en haut dans les médaillons du Paradis (Dieu entouré d’anges) et de l‘Enfer (Diable entouré de démons), tandis qu’en bas la Mort frappe aussi bien le Bon que le Méchant, emportés ensuite vers leurs séjours respectifs.


Cristofano Bertelli, c. 1560 Escalier de la vie masculine RijksmuseumL’Escalier de la vie de l’Homme Cristofano Bertelli, c. 1560 Escalier de la vie feminine RijksmuseumL’Escalier de la vie de la Femme

Cristofano Bertelli, vers 1560, Rijksmuseum, Amsterdam

Bertelli est semble-t-il le premier à décliner le sujet en version féminine. Outre les neuf femmes des gradins (les âges ne sont plus indiqués, par galanterie), c’est l’ensemble de la gravure qui change.

Les animaux symboliques sont désormais des oiseaux : oisillon (voracité), dinde (démarche pressée), paon (oiseau de Junon), poule (maternité), autruche (force), cane (« comme la cane qui se nourrit dans l’eau et se fatigue à chercher une maigre nourriture, celle-ci refoule les désirs dans son coeur »), perroquet (lamentations répétitives), corbeau (figure triste), oie (« comme l’oie vielle et décharnée cherche sa nourriture avec peine, ainsi ma langue lèche le tombeau »). [0b]

Les scènes secondaires marquent quelques différences subtiles : notamment les démons autour du Diable, qui brandissent des accessoires pour dames (miroir, vase, collier, et une paire de menottes).


Opnamedatum:  2012-11-19Escalier des Ages de l’Homme Escalier de la vieillesse feminin(Trap des ouderdoms) 1596 - 1652, Claes Jansz. Visscher RikjsmuseumEscalier des Ages de la Femme

Trap des ouderdoms, gravures de Claes Jansz. Visscher, 1612 – 1652, Rijksmuseum

Escalier de la vieillesse couple(Trap des ouderdoms) Francoys van Beusekom 1612 - 1652
Escalier des Ages des Couples (Trap des ouderdoms), gravure de Francoys van Beusekom, 1612 – 1652, Rijksmuseum

La formule sera par la suite largement déclinée, soit en pendants, soit sous forme mixte comme dans le cas de cette série de gravures hollandaises.


LEIBER 1900 Ca LES-AGES-DE-L-HOMME-ADAMLes Ages de l’Homme avec la Tentation d’Adam LEIBER 1900 Ca LES-AGES-DE-LA-FEMME-EDEN-PARIS-MTPLes Ages de la Femme avec la Création d’Eve

Chromolithographies Leiber, vers 1900, Musée national de l’Éducation

Au cours des siècles, cette imagerie perdure et trahit les évolutions sociales : au constate ici qu’à la fin du XIXème siècle, chaque sexe se voit célébré par la scène biblique adéquate : l’Homme comme victime de la Faute, la Femme comme sous-produit de la Création. A noter aussi que les hommes et les femmes ne sont supposés former des couples qu’à vingt et trente ans, s’occupant ensuite des affaires de leur sexe.


 Sujets divers : Pays-Bas

La_cuisine_maigre Brueghel 1563 gravure de Van Der Heyden GallicaLa cuisine maigre La_cuisine_grasse Brueghel 1563 gravure de Van Der Heyden GallicaLa cuisine grasse

1563, gravures de Pieter van der Heyden d’après des dessins de Brueghel (Gallica)

 
Où Maigre-os , qui remue le pot, est un pauvre convive. Ce pourquoi à Grasse Cuisine j’irai, pour que je vive
(Ou Maigre-os Le pot mouue, est vu pouure Conuiue | Pource, a Grasse-cuisine iray, tant que ie viue)
Hors d’ici, Maigre-Dos, à une hideuse mine ; – Tu n’as que faire ici, car c’est grasse cuisine.

Les deux légendes insistent sur le personnage de Maigre-Homme (magherman, traduit par Maigre-Os ou Maigre-Dos dans une orthographe française très approximative). La légende de la première gravure peut se comprendre de deux manières : « Maigre-Homme étant un piètre convive, moi je préfère aller chez les Gros » ou bien « Maigre-Homme tente d’aller chez les Gros pour ne pas mourir ».


Brueghel cuisine maigre grasse schema
C’est ce deuxième sens qu’appuie le dessin : décrochant sa cornemuse, Maigre-Homme (en bleu) va tenter sa chance chez les Gros, mais se fait jeter dehors.

Cependant le dessin en dit plus que le texte, en développant des oppositions entre :

  • les deux femme qui allaitent (en jaune) ;
  • la chienne maigre et la chienne obèse (en violet).

Enfin, il existe un second personnage dédoublé, reconnaissable à sa coiffe : Gros-Homme (en vert) est assis à sa table, puis se fait happer à la porte des Pauvres :

  • pour partager leur pauvre pitance, dit la femme qui lui propose une assiette avec une carotte et un navet ;
  • ou bien pour accompagner ces légumes, dans un sous-entendu cannibale…


La_cuisine_grasse Brueghel 1563 gravure de Van Der Heyden GallicaLa cuisine grasse La_cuisine_maigre Brueghel 1563 gravure de Van Der Heyden GallicaLa cuisine maigre

Ainsi l’accrochage dans l’autre sens suggère la revanche de Maigre-Homme, d’abord mordu par un cochon, puis ensuite mangeant le Cochon.

L’opposition entre Cuisine Maigre et Cuisine Grasse sera repris par Jan Steen (voir Les pendants de Jan Steen) et se répercutera, en perdant sa connotation morale, jusqu’au XVIIIème siècle français (voir Chardin dans  Pendants nature morte : France et de Troy Les pendants de Jean-François de Troy).


 Sujets divers : Italie

Annibale_Carracci 1585-88 La chasse LouvreLa chasse Annibale_Carracci 1585-88 La peche LouvreLa pêche

Annibale Carrache, 1585-88, Louvre

Ces deux pendants, sas doute des dessus de porte destinés à un palais de la région de Bologne, juxtaposent des saynettes séparées et mélangent les classes sociales :

  • la forêt est le terrain de jeux des aristocrates, mais on voit surtout les chiens et les valets : l’un à droite sonne de la trompe pour avertir les chasseurs que la colllation est prête dans la clairière en contrebas ;
  • l’étang est le lieu des paysans et des marchands, mais on voit à droite un couple de personnes de qualité, avec leur enfant, en train d’acheter

Il n’y a pas véritablement de fonctionnement d’ensemble du pendant ; on notera cependant, au premier plan des deux bords externes, le même procédé de grandes silhouettes perchées au dessus de petites, de manière à creuser l’espace pictural à la fois verticalement et dans la profondeur.



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Annibale_Carracci 1605 Landscape-with-Diana and Callisto Mertoun HousePaysage avec Diane et Callisto, Annibale Carrache, vers 1605, Mertoun House, Annibale_Carracci 1605 Landscape-with-the-Toilet-of-Venus Pinacoteca Nazionale Bologna,Paysage avec la toilette de Vénus, Annibale Carrache et Francesco Albani, Pinacoteca Nazionale, Bologne

Ces deux toiles mythologiques sont séparées de plusieurs années et la seconde est surtout de la main d’Albani, l’élève de Carrache.

La composition du premier tableau est binaire, autour de l’arbre central :

  • à droite Diane est assise, avec trois nymphes et deux chiens ;
  • à gauche, la grossesse de Callisto est révélée par son refus de se baigner.

Lorsqu’il a été décidé de lui faire un pendant, il a fallu inventer une bipartition équivalente, de manière assez artificielle :

  • à droite Vénus est assise, avec trois suivantes et deux colombes ;
  • à gauche la fontaine ne sert qu’à équilibrer la partie « bain » du premier tableau.



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En ces tous débuts des pendants en Italie, le paysage est encore conçu comme un décor de théâtre devant lequel les personnages se placent. Il faudra attendre Poussin (voir Les pendants de Poussin) et surtout Rosa (voir Les pendants de Rosa) pour que le fonctionnement du pendant intègre à la fois les personnages et le fond.

Références :
[1] « Die Lebenstreppe: Bilder der menschlichen Lebensalter : eine Ausstellung des Landschaftsverbandes Rheinland », par Peter Joerissen; Cornelia K. Will, 1983
[2] On trouvera l’ensemble des traductions dans Passiflora. Histoire de la Médecine. Littérature, Arts, Anecdotes, Variétés, Paris : les laboratoires de la Passiflorine, 1931-1939, p 8
https://www.biusante.parisdescartes.fr/histoire/medica/resultats/index.php?do=page&cote=112775×04&p=83

L’âge classique : sujets mythologiques

19 avril 2020
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Au XVIIème siècle, les pendants mythologiques sont pratiqués par tous les artistes majeurs, italiens ou hollandais (voir les articles détaillés dans Iconographie).

Ce court article regroupe quelques cas isolés, chez des artistes qui n’ont guère pratiqué la formule.

Jordaens 1640 ca Diane et Calisto coll priv 81 x 119,6 cmDiane et Calisto, collection privée Jordaens 1640 ca Marsyas maltraite par les Muses Mauritshuis 77cm × w 120cmDes nymphes coupant la barbe de Pan, Mauritshuis

Jordaens, vers 1640

D’un côté, des nymphes forcent Callisto, la favorite de Diane, à se dévêtir pour le bain, découvrant ainsi sa grossesse ;

De l’autre, elles coupent la barbe de Pan pour se moquer de lui, car il danse trop mal. Edith Wyss [1] a expliqué la provenance de cette scène rare : il s’agit d’une ekphrasis, la reconstitution d’un tableau antique décrit par Philostratus, que Jordaens a pu connaître au travers de la traduction en français par Blaise de Vigenère, éditée avec une illustration en 1629.


La logique du pendant (SCOOP !)

Apollon, qui domine le second tableau, ne figure ni dans le texte ni dans l’illustration de Vigenère. Sa présence se justifie pour équilibrer celle de Diane dans le premier, les deux étant, comme le rappelle E.Wyss, les enfants de Latone.

Ce pendant, formule rarissime chez Jordaens, est contesté à cause de sa composition selon deux diagonales montantes (et non en V comme il est d’usage à l’Age classique). Cette composition parallèle est selon moi voulue justement pour créer un  parallélisme, côté féminin et côté masculin, de ces deux histoires de « déshabillage » forcé.


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Francesco_Maffei_-_Perseus_Beheading_Medusa_-_WGA13835Persée coupant la tête de Méduse Accademia - Francesco Maffei - Mythological SceneScène mythologique

Francesco Maffei, vers 1650, Musée de l’Accademia, Venise

Ce pendant, par un peintre vénitien rare et virtuose, n’a jamais été complètement élucidé. Autant le sujet du premier tableau est clair, autant celui du second est vague : on a proposé, sans conviction,  les Amours de Mars et de Vénus, avec pour les deux personnages intermédiaires Vulcain en bas à droite et Mercure  en haut à gauche.


Accademia_-_Francesco_Maffei_-_Mythological_Scene detail dormeur Accademia_-_Francesco_Maffei_-_Mythological_Scene detail Mercure

SCOOP !

Il faut regarder le tableau dans le détail pour comprendre que le personnage du bas possède une longue oreille pointue, et que celui du haut tient entre deux doigts de sa main gauche une baguette, tandis qu’il introduit de sa main droite quelque chose dans le récipient, orné d’un Amour doré, que tiennent simultanément l’homme et la femme.

Il n’en faut pas plus pour remonter à l’histoire d’Ulysse et de Circé, racontée dans l’Iliade : alors qu’elle a déjà transformé tous ses compagnons en porcs (d’où l’oreille pointue), Circé propose à Ulysse un breuvage qui va l’asservir à son tour. Mais Mercure, le Dieu à la baguette d’or,  a fourni à Ulysse un antidote, une plante nommée Môly, grâce à laquelle il va échapper à la baguette de la magicienne et la soumettre à sa propre virilité.

Bref… La logique du pendant est donc celle de deux héros vainqueurs de deux femmes fatales.


Perseo_decapita_MedusaPersée coupant la tête de Méduse Ulisse_e_CirceMercure protégeant Ulysse des charmes de Circe

Annibal Carrache, 1595-1597, fresque du Camerino Farnese, Palais Farnese, Rome

Schema_del_Camerino_Farnese
L’amusant est que ce pendant délibérément elliptique n’est pas une invention de Maffei : il existe bel et bien, peint par Annibal Carrache cinquante ans plus tôt, dans un angle du Camerino Farnese.


Francesco_Maffei_-_Perseus_Beheading_Medusa_-_WGA13835 Accademia - Francesco Maffei - Mythological Scene
Perseo_decapita_Medusa detailPersée coupant la tête de Méduse Ulisse_e_Circe detailMercure protégeant Ulysse des charmes de Circe

Le cadrage resserré et l’inversion gauche/droite de la scène de Circé participent à l’intention cryptique : la décapitation de Méduse, montrée par Carrache, est cachée par Maffei derrière le bras de celle-ci, tandis qu’une femme aux seins nus,  sereine, brouille les pistes à l’arrière-plan. Et la scène de Circé est embrouillée par l’embouteillages de mains autourd’une coupe non identifiable et d’une baguette quasi indiscernable.

Le pendant de Maffei ne pouvait d’adresser qu’à des amateurs cultivés et  amateurs d’énigmes : la devinette mythologique servant de prélude à la révélation spectaculaire du pastiche.


Références :
[1] Edith Wyss, « An Unexpected Classical Source for Jacob Jordaens » dans The Hoogsteder Mercury, Journal 8 , https://hoogsteder.com/oldmaster/wp-content/uploads/2014/03/The-Hoogsteder-Mercury.pdf

Les pendants de Lancret

12 avril 2020
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Ami puis rival de Watteau, Lancret a produit un grand nombre de pendants, plus des séries (Saisons, Heures du jour, Ages de la vie, Contes de la Fontaine) que je n’ai pas traitées ici. J’ai établi la liste des pendants d’après le catalogue raisonné de G.Wildenstein [1] (les références en W sont celles de ce catalogue). La plupart des oeuvres n’étant pas datée, j’en ai conservé le classement thématique. Je n’ai pas commenté les quelques oeuvres pour lesquelles l’appariement semble fortuit, sans logique de pendant.

 La Danse

Lancret W133 1724 ca Dance before a Fountain (97.8 × 130.8 cm) The J. Paul Getty Museum, Los Angeles

Danse devant une fontaine (W133)
Lancret, vers 1724, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles (97.8 × 130.8 cm)

Cette Fête Galante devant la fontaine du jardin du Luxembourg se développe dans le format « paysage » habituel pour ce type de scène Elle montre deux couples de danseurs exécutant une figure typique de la contredanse, le moulinet à quatre. Lancret est le seul, parmi toutes les Fêtes Galantes peintes au XVIIIème siècle, à avoir représenté cette danse, très précisément Le Cotillon: danse à quatre ([2], p 72).


lancret W132 Le Moulinet. 129 x 95 cm. Schloss Charlottenburg, BerlinLe moulinet devant la charmille (W132 fig 33) Lancret W205 1730 Danse dans un pavillon Schloss Charlottenburg Berlin 130 x 97 cmLa danse dans un pavillon (W205 fig 3)

Lancret, Schloss Charlottenburg, Berlin

C’est probablement dans un second temps qu’il a repris la scène en format « portrait », en supprimant à droite le groupe d’enfants ([2], p 78). La fontaine s’est réduite à une statue de Bacchus et le « clin d’oeil parisien » s’est transporté dans le second tableau, où l’on reconnait au plafond « Le Temps soustrait la Vérité aux atteintes de l’Envie et de la Discorde » peint par Poussin pour le Palais Cardinal.

La charmille à six pans a été ingénieusement introduite comme motif de jonction : elle montre, vue de l’extérieur, la même forme que le second pendant nous montre de l’intérieur. En rajoutant une marche arrondie, Lancret accentue l’analogie avec la salle circulaire.


La logique du pendant

Elle est sans doute d’opposer la contredanse en plein air, au son campagnard de la cornemuse, et la danse noble dans un Salon de Musique, au son d’un orchestre plus formel.


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Lancret W149 Danse devant la fontaine Schloss Sanssouci PotsdamDanse à la fontaine, (W149 fig 47) Lancret W232 Escarpolette Schloss Sanssouci PotsdamL’Escarpolette (Die Schaukel) (W232 fig 49)

Lancret, Salon de musique du château de Sanssouci, Potsdam (détruits en 1942)

Dans le même ordre d’idée, le lien immatériel que la musique trace entre les deux danseurs contraste avec la corde grossière entre les deux amoureux (tandis qu’un tiers couché sur le sol tente de regarder sous la robe).


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Lancret 1743 ca Le concert champetre coll privLe concert champêtre Lancret 1743 ca Le jeu du Pied-de-Boeuf coll privLe jeu du Pied-de-Boeuf

Lancret, vers 1743, collection privée

Même complémentarité entre les deux types de divertissement de la noblesse : la musique et le jeu.

Les jeux

 

Lancret W221 Jeu de cache-cache Mitoulas Houston Museum of Fine ArtsLe cache-cache Mitoulas (Blind Man’s Bluff) (W221 fig 58) Lancret W219 Balancoire Houston Museum of Fine ArtsLa Balançoire (W219 fig 56)

D’un jeu à l’autre, Lancret prend plaisir à intervertir les sexes entre les trois types de participants :

  • le joueur (celle qui doit attraper le foulard, celui qui doit éviter de monter en l’air) ;
  • le maître du jeu (celui qui donne le foulard, celle qui est la plus lourde) ;
  • les comparses (celles qui vont se passer le foulard, celui qui fait contrepoids).

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Lancret W220 Jeu de cache-cache Mitoulas (Le menuet) Gravure de LarmessinLe cache-cache Mitoulas (Le menuet) (W220) Gravure de Larmessin Lancret W253 Les quatre coins Statens Museum for Kunst CopenhagueLes quatre coins (W253) Statens Museum for Kunst Copenhague

Ici le garçon, entouré de filles, passe de la situation de meneur de jeu à celle de chasseur.

Voici le texte des gravures de Larmessin  :

Quoy; jeune homme, tu veux que l’aimable Climène
Cette beauté naissante et cette grâce extrême,
Coure après le mouchoir et le cherche avec peine ?
Méritent bien plustost qu’on le lui vienne offrir
Peux-tu le vouloir sans rougir ?
De la part de l’Amour lui-même

T’exposant au milieu de ces jeunes pucelles
Afin de disputer le terrain avec elles
Tircis, tu jouerais de malheur
Quel qie soit le progrès que ton adresse fasse
A ce jeu tu ne peux que leur prendre une place,
En revanche on prendra ton coeur.


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Lancret W233 Escarpolette StockholmL’Escarpolette (W233 fig 54) Lancret W229 Colin Maillard 1728 Nationalmuseum, Stockholm.Le Colin Maillard (W229 fig 53)

Lancret, 1728, Nationalmuseum, Stockholm

Ce pendant extérieur / intérieur rappelle fortement celui de Charlottenburg, avec son salon circulaire. Lancret détourne subtilement les deux jeux vers des situations ambiguës :

  • l’escarpolette devient un jeu de badinage à trois plus un (celle qui est poussée et tirée, celle qui fait tapisserie) ;
  • comme le soulignent les deux bustes masculin et féminin qui encadrent le couple, le jeu de groupe devient un jeu à deux, allégorie de la séduction (la plume et le bandeau)

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Lancret 1723-27 panneau decoratif avec une balancoire Cleveland, The Cleveland Museum of ArtLa balançoire Lancret 1723-27 panneau decoratif avec un tonneau Cleveland, The Cleveland Museum of ArtLe vignoble Lancret 1723-27 panneau decoratif avec une escarpolette Cleveland, The Cleveland Museum of ArtL’escarpolette

Lancret, Panneaux décoratifs, 1723-27, The Cleveland Museum of Art

Le jeu rustique et enfantin de la balançoire – un madrier et une souche sous le signe de l’écureuil – complète le jeu plus adulte de l’escarpolette – sous le signe du coq et du clocher.

Au centre, un plaisir moins anodin : la boisson qui trouble l’esprit – sous le signe de la chouette.


Le théâtre

 

Lancret W258. 1739 Le philosophe marieScène tirée du Philosophe marié, de Destouches (W258 fig 65) Lancret W259 Le glorieux PGLe glorieux (W259 fig 66)

Lancret W275 L'occasion fortunee gravure de ScottinL’occasion fortunée (W275 fig 70) Lancret W276 Les charmes de la conversationLes charmes de la conversation (W276 fig 69)


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Lancret W292 LA-LECON-DE-MUSIQUE Louvre ParisLa leçon de musique (W292) Lancret W293 Innocence Louvre ParisL’innoncence (W293)

Dessus de porte provenant du château de Fontainebleau, Louvre, Paris

La symétrie entre le pilastre et la niche suggère que les deux portes devaient être placées à peu de distance l’une de l’autre.

Le thème commun est celui de l‘éducation d »un jeune fille par un couple plus âgé :

  • à gauche elle apprend à lire la musique et à chanter, accompagnée par une guitare ;
  • à droite on lui montre un oiseau qu’on libère de sa cage, mais qui reste tenu par un fil.

La métaphore implicite est que la jeune fille est comme l’oiseau : son chant est beau et son pucelage est volage (voir L’oiseau envolé).


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Lancret W304 D'un baiser que Tirsis Coll privD’un baiser que Tirsis (W304) Lancret W303 Que le coeur d'un amant est sujet a changer Coll privQue le coeur d’un amant (W303)

Lancret, vers 1720

Voici les quatrains qui accompagnent les deux gravures par Silvestre :

D’un baiser que Tircis caché dans ces beaux lieux,
Subtilement a su ravir à sa bergère
C’est en vain qu’elle veut lui montrer sa colère
Son amant moins timide en est plus glorieux.
Sa compagne et Damon, cette grotte et ces bois
Tous contre sa fierté conspirent à la fois
Une belle à l’écart qui se laisse surprendre
Quoi qu’elle puisse faire, a peine à se défendre. [3]

Que le coeur d’un amant est sujet à changer
Vous le voyez par ce berger
Il n’avoit autrefois des yeux que pour Silvie
Maintenant elle marque en vain sa jalousie.
Il se voit reprocher son infidélité
Sans en être déconcerté.
Epris d’un autre objet, ce n’est plus qu’à Lisette
Qu’il adresse aujourd’hui les sons de sa musette.

Les deux gravures illustrent deux conduites amoureuses masculines, en présence d’un couple faire-valoir :

  • la séduction : Tircis embrasse par surprise sa bergère (malgré la présence d’une compagne et de Damon) ;
  • la trahison : le berger lâche Silvie pour Lisette (en présence d’un couple indifférent).


La série comportait un second pendant : comme souvent chez Lancret, il oppose la Musique et la Danse :

Lancret W313 Trop indolent TircisTrop indolent Tircis (W313 fig 84) Lancret W314 Veux-tu d'une inhumaineVeux-tu d’une inhumaine (W314 fig 85)
 

Trop indolent Tircis laisse la sinfonie,
Un soupir, un regard, un transport, un souris
Sont les meilleurs accents des coeurs bien attendris,
Et forment les accords les plus doux de la vie.
La musique a son temps, mais l’amour a ses droits :
Ce Dieu seul vous rassemble en cette solitude,
Pour gouter ses plaisirs sans nulle inquiétude,
Et ne les révéler qu’aux échos de ces bois.

Veux-tu d’une inhumaine emporter la tendresse ?
Fais lui voir en dansant ton heureuse vigueur.
Les charmes de la danse ont soumis plus d’un coeur
Qui n’aimoit dans l’amant que la force et l’adresse.
Ce vieillard attentif, se réveille aux plaisirs
Dont il rapelle encore la douceur et l’usage ;
Mais il s’anime, en vain, il ne forme à son age,
Que d’importans regrets, que d’impuissans Désirs.

Les textes introduisent une symétrie peu visible dans les images, suggérant que chacune montre un exemple et un contre-exemple :

  • Tircis, trop indolent, ferait mieux de prendre exemple sur le couple du fond, et de laisser la musique pour une approche plus directe ;
  • Le danseur fait bien de montrer sa vigueur sexuelle par la danse (comme le confirme l’Hermès), le contre-exemple étant le vieillard.

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Suite Hortemels

Cette série de quatre scènes, gravées par Louise-Magdeleine Hortemels, évoquent les Quatre heures du jour. Elle se compose de deux pendants :

Lancret W542 Lise s'en va changer Louise-Magdeleine_Horthemels1 Lise s’en va changer d’humeur et de visage (La toilette) (W542 fig 147) Lancret W319 Quand vous voulez toucher quelque coeur amoureux4 Quand vous voulez toucher quelque coeur amoureux (Soirée de musique) (W319 fig 86)

Ce premier pendant, intérieur-intérieur, oppose deux tables, l’une avec son miroir et l’autre avec sa partition, pour illustre les ruses féminines :

Lise s’en va changer d’humeur et de visage
Après avoir passé près de son cher époux
Tote la nuit comme un hibou
Pour qui donc ce bel étalage ?

Quand vous vouz toucher quelque coeur amoureux
Belle ou non vous scavés ce secret à merveille
Si le poison répugne à prendre par les yeux
Vous le faires entrer par l’oreille


Lancret W323 Quoy, n'avoir pour vous trois qu'une seule bouteille2 Quoy, n’avoir pour vous trois qu’une seule bouteille (Collation champêtre) (W321) Lancret W322 Pres de vous belle Iris3 Près de vous belle Iris (Sieste de midi) (W320)

Ce second pendant, extérieur-extérieur, évoque deux moments amoureux : l’apéritif (avec une bouche surnuméraire) et la mise en bouche (l’éventail et le parasol protègent faiblement ce que la robe dévoile)

Quoy! n’avoir pour vous trois qu’une seule bouteille,
C’est bien peu pour vous mettre en train,
Il faloit mieux Lisandre aporter plus de vin
Et n’amener au bois avec vous qu’une belle.

Près de vous belle Iris ce fantasque minois,
Met mon esprit à la torture
Que cherchés vous par avanture
Dans le milieu du jour et sur le bord d’un bois


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Lancret, Nicolas, 1690-1743; 'In this pleasant solitude...'Dans cette aimable solitude (W330 fig 92) Lancret, Nicolas, 1690-1743; 'With a tender little song...'Par une tendre chansonnette (W328 fig 91)

Lancret, Fitzwilliam Museum, Cambridge

Les deux scènes confrontent une femme assise avec son éventail, et un homme debout, avec son béret. Dans l’une l’arbre sépare le couple, dans l’autre il le réunit. Le texte des gravures de Cochin éclaire les deux situations, que résume la tête voilée ou couronnée de fleurs de la belle : retenue ou affichage des sentiments.

Dans cette aimable solitude ,
Ces amans par leur attitude
Respectent leur jeune témoin
Peut être si de les entendre ,
ll ne se donnait pas le soin ,
Leur posture seroit plus tendre

Par une tendre chansonnette
On exprime ses sentiments
Souvent la flute et la musette
Sont l’interprète des amans


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Lancret W338 Arrivee d'une dame dans une voiture trainee par des chiens W337 musee de NantesArrivée d’une dame dans une voiture trainée par des chiens (W338) Lancret W337 Avant le bal costume musee de NantesAvant le bal costumé (W337)

Lancret, Musée d’Arts, Nantes

Ce pendant extérieur-intérieur montre deux scènes costumées :

  • dans le premier tableau, un groupe interrompt son aubade pour accueillir une jeune femme portant un turban à la turque et sa compagne, qui arrivent dans un traîneau tiré par des chiens. L’aubergiste prépare les bouteilles et les miches, sa femme invite les convives à entrer dans la salle où brûle un bon feu.
  • dans le second tableau, seuls les hommes sont costumés (en Mezzetin, en Pierrot, en pèlerin).

Sous une forme légère, les deux sujets dénotent une certaine critique de la domination féminine :

  • la dame tirée par des chiens travestis en chevaux fait écho à celle qui parade au milieu des mâles costumés ;
  • la petite fille qui s’empare de la guitare abandonnée et celle qui tire un cavalier par une ficelle, apprennent déjà leur métier de femme.



Scènes galantes

 

Lancret W413 L'amusement du petit maitreL’amusement du petit maître (W413 fig 100) Lancret W414 La_belle_complaisanteLa belle complaisante (W414 fig 99)

Les textes des gravures, par De Farannes chez de Larmessin, donnent la clé du pendant :

A de traîtres soupirs gardès vous de vous rendre,
Tournés la téte, aimable Iris,
Un jeune cœur y peut étre surpris,
Et vous verrés de quoi vous deffendre

Pour l’un le billet doux, et pour l’autre, la main ;
Tout ce qu’elle refuse est une bagatelle,
Rien de galant ne coûte à l’aimable Catin.
C’est un sincère amour, un cœur tendre et fidèle

Il s’agit donc de deux scènes de rouerie :

  • dans la première, un homme courtise une fille tandis que par derrière arrive une autre de ses conquêtes ;
  • dans la seconde, une fille se laisse courtiser par un gentilhomme tout en envoyant par derrière un mot doux à un abbé.

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Lancret W465 1740 ca A femme avare galant escroc gravure LarmessinA femme avare galant escroc ( W645), gravure de 1738 Lancret W664 On_ne_s'avise_jamais_de_tout gavure Larmessin_Nicolas GallicaOn ne s’avise jamais de tout (W664), gravure de 1742

Lancret, Gravures de Larmessin,

Ce deux sujets ont été peints en pendants, avant d’être intégrés par Larmessin à la série des Contes de La Fontaine

«Rayez les cent Louis prêtés: car A Madame
Hier devant temoins je les ay bien rendus:
L’epoux en ragerait encor plus que la femme
S’il scavoit à quel titre elle les a reçus »

« Tu me dis qu’elle attend un autre vestement
Et qu’on a sur le Sien jetté d’une Fenestre
J’entens : Les Tours malins de Coquette et Damant
J’ay crû les scavoir tous : Mais j’ay trouvé mon maitre »

Il s’agit là encore de deux histoires de rouerie, masculine et féminine : un mari est trompé par son emprunteur, l’autre par sa femme Coquette.


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Les Rémois (Contes de La Fontaine, Livre III, 3) [4]

Lancret W652 les lunettes Musee de Tours

Les Rémois (W669)
Musée de Tours [5]

La femme volage d’un Peintre a invité à manger deux voisins pendant que son mari est absent. Mais il revient, les deux voisins se cachent (porte de gauche) et la femme, pour justifie le repas, dit qu’elle a invité les deux épouses des voisins. Pendant que la femme du peintre descend à la cave chercher du vin avec l’une des invitées (porte de droite), le Peintre lutine l’autre sous les yeux du mari :

« L’Epoux vid donc que, tandis qu’une main
Se promenoit sur la gorge à son aise,
L’autre prenoit tout un autre chemin ».

La composition aide à comprendre l’histoire :

  • le Peintre a quitté sa chaise,
  • les deux autres chaises vides, situées sous les maris cachés, rappellent que c’est eux qui primitivement devaient s’asseoir à la table ;
  • les chiens, couchés sous chaque porte, soulignent que tous les protagonistes sont soumis à la volonté du Galant.

Les Lunettes (Contes de La Fontaine, Livre IV, 12) [6]

Lancret W669 les Remois Musee de Tours

Les lunettes (W652)
Musée de Tours [5]

S’étant déguisé en nonne et vivant à l’intérieur d’un couvent, un jeune homme déclenche chez une de ses conquêtes la pousse d’un « petit champignon ». L’enquête s’ensuit, le garçon dissimule son anatomie comme il peut :

« …ce reste de machine,
Bout de lacet aux hommes excedant.
D’un brin de fil il l’attacha de sorte
Que tout sembloit aussi plat qu’aux Nonains ».

Malheureusement :

« Fermes tetons, et semblables ressorts,
Eurent bien tost fait joüer la machine :
Elle eschapa, rompit le fil d’un coup,
Comme un coursier qui romproit son licou,
Et sauta droit au nez de la Prieure,
Faisant voler lunettes tout à l’heure
Jusqu’au plancher. Il s’en falut bien peu
Que l’on ne vist tomber la lunetiere. »

Les Nonnes attachent donc le garçon à un arbre, et vont chercher leurs fouets. Passe un meunier, auquel le garçon raconte que les nonnes vont le punir parce qu’il a résisté à leurs avances. Emmoustillé, le Meunier propose de prendre sa place :

« L’autre deux fois ne se le fait redire ;
Il vous l’attache, et puis luy dit adieu.
Large d’épaule, on auroit veu le Sire
Attendre nud les Nonains en ce lieu.
L’escadron vient, porte en guise de Cierges
Gaules et foüets : procession de verges
Qui fit la ronde à l’entour du Meusnier… »

Par les sacs déposés à terre en bas à droite, Lancret nous fait comprendre que l’homme attaché est bien le meunier ; et il fait porter discrètement les lunettes à la soeur à l’arrière-plan.


La logique du pendant

Lancret W652 les lunettes Musee de Tours Lancret W669 les Remois Musee de Tours

Aussitôt après la mort de Pater en 1736, Lancret poursuit la série des tableaux réalisés par l’artiste d’après les Contes de La Fontaine (Wildenstein en a dénombré au total 43). Le format carré (1,02 x 1,02 m) de ces deux tableau et le fait qu’ils étaient autrefois chantournés laisse supposer qu’ils ont bien été conçus comme pendants.

Dans ce type de pendant illustratif, les contraintes narratives prennent le dessus et on ne peut s’attendre à de fortes correspondances. On notera néanmoins :

  • la structure intérieur / extérieur ;
  • la composition symétrique mais légèrement décentrée (nonnes autour de l’arbre, maris et femmes de part et d’autre de la table) ;
  • un Trompeur impuni (le garçon déguisé, la femme du Peintre).
  • un Galant puni et un Galant triomphant.

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Les oyes du frère Philippe (Contes de La Fontaine, Livre III, 3) [7]

Lancret W658 Les oyes du frere Philippe MET 27,3 35,2 cm cuivre

Les oyes du frère Philippe (W658) MET

Un jeune homme a été élevé loin du monde par son père, un ermite nommé Frère Philippe. Un beau jour, il va en ville et voit passer de jeunes beautés :

« Ravi comme en extase à cet objet charmant :
Qu’est-ce là, dit-il à son pere,
Qui porte un si gentil’habit ?
Comment l’appelle-t-on ? Ce discours ne plut guere
Au bon Vieillard, qui répondit :
C’est un oyseau qui s’appelle Oye.
O l’agreable oyseau ! dit le fils plein de joye.
Oye, hélas, chante un peu, que j’entende ta voix.
Peut-on point un peu te connoistre ?
Mon pere, je vous prie et mille et mille fois,
Menons en une en nostre bois,
J’auray soin de la faire paistre. »


Le gascon puni (Contes de La Fontaine, Livre II, 13) [8]

La Fontaine, Le Gascon puni / N.Lancret - -

Le gascon puni (W648), Salon de 1738, Louvre

L’histoire, assez complexe, est pleine de rebondissement : la belle Phillis a demandé à une Gascon qui la courtise un service bien particulier : se déguiser en femme pour prendre pendant une nuit, dans le lit de leur voisin Eurilas, la place de sa voisine Cloris, afin qu’elle puisse rejoindre son amant, Damon. Toute la nuit, le Gascon vit dans la terreur qu’Eurilas ne se réveille :

« Son coucheur cette nuit se retourna cent fois,
Et jusques sur le nez luy porta certains doigts
Que la peur luy fit trouver rudes.
Le pis de ses inquietudes,
C’est qu’il craignoit qu’enfin un caprice amoureux
Ne prist à ce mary… »

Au matin, coup de théâtre : ce n’est pas avec Eurilas qui l’a couché :

« C’estoit Philis, qui d’Eurilas
Avoit tenu la place, et qui sans trop attendre
Tout en chemise s’alla rendre
Dans les bras de Cloris qu’accompagnoit Damon. »

Lancret nous montre la chute : Phillis nargue le Gascon puni

« En luy monstrant ce qu’il avoit perdu,
Laissoit son sein à demy nu. »


La logique du pendant

Lancret W658 Les oyes du frere Philippe MET 27,3 35,2 cm cuivre La Fontaine, Le Gascon puni / N.Lancret - -

Lancret, 27,3 35,2 cm cuivre

Ces deux versions sur cuivre n’ont peut être pas constitué des pendants (il existe neuf cuivres des Contes de la Fontaine, tous de la même taille), mais on sait qu’un pendant sur bois de ces deux sujets est passée en vente en 1752 (W649).

Ce n’est pas ici l’histoire, mais la composition à quatre personnages qui justifie l’appariement :

  • deux jolies femmes s’étreignent ;
  • un nigaud tend le bras droit ;
  • un homme averti ferme le ban.



 Le bain

 

Lancret W445 1737 ca Le repas au retour de la chasse Louvre 97 x 145 cm.Le repas au retour de la chasse (W445) 90 x 1,235 m Lancret-W433-1737-ca-Baigneuses-et-spectateurs-dans-un-paysage-Les-Plaisirs-du-bain-Louvre-97-x-145-cmLes plaisirs du bain (W433 fig 104) 97 x 1,45 m

Lancret, 1737, Louvre

Ces deux tableaux appartenaient au marquis de Beringhen. Ils associent deux scènes de plein air, la collation et le bain, association plusieurs fois utilisée par Pater (voir Baigneuses).



Lancret W433 1737 ca Schema
Les deux tableaux ne se répondent pas par symétrie, mais se complètent dans une logique panoramique : une série de paliers horizontaux fait sinuer l’oeil du haut de la fontaine à la pelouse du second tableau, accompagnant les convives d’un plaisir à un autre, au gré des deux embarcations.



Oiseaux

 

Lancret le_nid_doiseauxLe nid d’oiseaux (W456 fig 112) Lancret W457 Les tourterelles LouvreLes tourterelles (W457 fig 114)

Lancret, Louvre

Dans le premier tableau, le villageois qui refaisait son toit a decouvert un nid, qu’il amène à la bergère pour qu’elle les mette dans sa cage (sur cette métaphore sexuelle, voir La cage à oiseaux : y entrer).

Dans le second, il lui montre l’exemple de deux tourterelles qui se bécotent.


sb-line

Lancret W552 La bergere avec des tourterellesLa bergère avec des tourterelles (W552 fig 117) Lancret W551 La taquineLa taquine (W551 fig 136)

Ce pendant en V prolonge l’histoire, en mode grivois :

  • d’abord l’homme montre ses deux tourterelles à la fille ;
  • du coup, celle-ci s’enhardit à lui chatouiller le visage pendant qu’il dort, son outil de travail sur le genou ; la souplesse de la branchette souligne la rigidité de la houlette.



Scènes villageoises

 

Lancret W514 1735 La danse au village Musee d'AngersLa danse au village, (W514) Lancret W515 1735 Un festin de noces de villages Musee d'AngersUn festin de noces au village, (W515)

Lancret, 1735, Musée d’Angers

D’un côté la danse sur la place du village, de l’autre le festin dans le cour d’une maison


 

Lancret 1737-40 Le mariage au village Waddesdon ManorLe mariage au village ; The Wedding BreakfastLe déjeuner de noces

Lancret, 1737-1740, Waddesdon Manor [9]

Même opposition entre espace public et espace privé, mais les sujets sont un peu différents. Le second tableau joint les thèmes de la danse et du festin.

Le premier représente probablement le cortège de mariage partant pour l’église : en tête le père de la mariée avec sa fille, derrière la mère du marié avec son fils. Comme dans un tableau de Pater qui lui ressemble beaucoup (voir Dans la lignée de Watteau), certains détails semblent ironiser sur les « bonheurs » du mariage : l’âne (condamné désormais à tirer le collier), le couple libre du premier plan, le bébé dans son berceau.



Autres sujets

 

Lancret W529 1710-43 Dans la cuisine ErmitageUne cuisine (W529) Lancret W530 1710-43 Le Valet Galant ErmitageLe Valet Galant  (W530)

Lancret, début XVIIIème, Ermitage

Sous couvert d’illustrer le thème classique de la cusine grasse (viandes sur table rouge) et de la cuisine maigre (poissons sur table grise), ce pendant met en scène, entre rideaux et nappes, une sensualité qui excède celle des plumes, des poils, des écailles et des légumes :

  • une fille, entre deux volailles pendantes, regarde sa compagne renifler l’entrejambe d’un lièvre de belle taille ;
  • un valet prend en tenaille une fille qui lui résiste en levant mollement son petit doigt.



 Portraits

Lancret W582 1730 La camargo Wallace Collection 42 x 55 cmLa Camargo (W582), 1730 Wallace Collection (42 x 55 cm). Lancret W598 1732 Marie Salle Chateau de Rheinsberg Brandenburg 42 × 54 cmMarie Sallé (W598), 1732, Chateau de Rheinsberg, Brandenburg (42 × 54 cm)

« Ah, Camargo, que vous étes brillante Mais que Sallé, grands dieux, est ravissante! Que vos pas sont légers et que les siens sont doux ! Elle est inimitable et vous êtes nouvelle. Les Nymphes sautent comme vous. Mais les Grâces dansent comme elle. » Mercure de France, Janvier 1732.

Ces deux tableaux de deux stars de l’époque ont eu de nombreuses répliques : selon Wildenstein, l’exemplaire de la Wallace Collection serait le premiel Camargo, mais le premier Sallé n’est pas connu.



Turqueries

 

Lancret W684 Le turc amoureuxLe Turc amoureux (W684) Lancret W685 La belle grecque Art_Institute_of_ChicagoLa belle Grecque (W685)

Sous l’Ancien Régime, la mode était aux Turcs, pas encore à la cause de la libération des Grecs.

Les textes des gravures par Schmidt, en 1736, manient aimablement les paradoxe du Turc moins féroce que l’Amour, et de l’Esclave qui domine le Sultan :

Jusque dans ce climat barbare
L’amour porte à mon cœur les plus terribles coups,
Et sans cesse on m’entend chanter sur ma guitare :
Maudit soit cet Enfant qui montre un air si doux :
Il est cent fois plus Turc que nous.

Jeune beauté, votre esclavage
Ne vous empêche pas de captiver les cœurs.
Les Sultans les plus fiers vous offrent leurs hommages
Et par le seul pouvoir de vos yeux enchanteurs
Vous triomphez de vos vainqueurs


Pendants incomplets

Lancret, Nicolas, 1690-1743; An Italian Comedy SceneUne scène de la Comédie Italienne (W323) Le joueur de flûte (W103)


Lancret W462 La chasse a la pipee Wallace CollectionChasse à la pipée (W462 Wallace fig 118) Danse champêtre (W162)


Lancret W416 La femme commodeLa femme commode (W416 fig 211) L’amant indiscret (W416bis)


 

Lancret W298 Le concert dans le parc Pushkin MuseumLe concert dans le parc (W298 fig 81) Musee Pouchkine, Moscou Berger et bergère tenant une cage, debout (W466)

 

Lancret W473 Le berger indecis VetA museumLe Berger indecis (W473 )Veux-tu d’une inhumaine (W317)

Variante du W314, sans le vieillard



Pendants non retrouvés

  • Danse champêtre W171, Escarpolette W241
  • Bal champêtre W173, Concert W174
  • Danse champêtre W175, Balancoire W217
  • Un bal W214, Fête champêtre W398
  • Joueur de flûte W110, Deux jeunes filles dans uun paysage W111 La danse champêtre W180, La balançoire W181
  • Colin Maillard W230, Jeu des gages W243
  • Escarpolette W240, Réunion dans un parc W372
  • Scène de la Comédie italienne W325, Groupe joyeux et plaisant de trois figures W421
  • Sujet galant W423, Voleurs dépouillant un voyageur W560
  • Femme saisissant un capucin par son cordon W533, Homme filant près d’une jeune fille W536
  • Un religieux et une jeune fille W549,Le repos W550
  • L’enlèvement d’Hélène W722, Parodie du jugement de Pâris W725



Faux pendants

Lancret-La-Bergere-Endormie-Et-Le jeune seigneur Musee Jacquemart AndreLa bergère endormie et le jeune seigneur W475 (0,65 x 0,48 cm) Lancret Jeune homme offrant des fleurs de son chapeau a une jeune fille, dit aussi L'offre des fleurs Musee Jacquemart AndreJeune homme offrant des fleurs de son chapeau à une jeune fille (dit aussi L’offre des fleurs) W476 (0,61 x 0,48 cm) 

Lancret, début XVIIIème, Musée Jacquemart-André

Ces deux toiles de taille différente n’ont pas de provenance commune.



Références :
[1] Georges Wildenstein « Lancret : biographie et catalogue critiques. », Paris : les Beaux-Arts, Édition d’études et de documents, 1924. https://archive.org/details/c.rnicolaslancretwildensteininstitute
[2] Mary Tavener Holmes, « Nicolas Lancret: Dance Before a Fountain », https://books.google.fr/books?id=VpgnAgAAQBAJ&pg=PA72#v=onepage&q&f=false
[3] Emmanuel Bocher, « Les gravures françaises du XVIIIe siècle: fasc. Nicolas Lancret » https://books.google.fr/books?hl=fr&id=noRPAQAAMAAJ&q=Tirsis#v=onepage&q=tirsis&f=false
[4] https://fr.wikisource.org/wiki/%C5%92uvres_compl%C3%A8tes_de_La_Fontaine_(Marty-Laveaux)/Tome_2/Les_Remois
[5] http://www.mba.tours.fr/TPL_CODE/TPL_COLLECTIONPIECE/98-18e.htm?COLLECTIONNUM=13&PIECENUM=233&NOMARTISTE=LANCRET+Nicolas
http://www.mba.tours.fr/TPL_CODE/TPL_COLLECTIONPIECE/98-18e.htm?COLLECTIONNUM=13&PIECENUM=234&NOMARTISTE=LANCRET+Nicolas
[6] https://fr.wikisource.org/wiki/%C5%92uvres_compl%C3%A8tes_de_La_Fontaine_(Marty-Laveaux)/Tome_2/Les_Lunettes
[7] https://fr.wikisource.org/wiki/%C5%92uvres_compl%C3%A8tes_de_La_Fontaine_(Marty-Laveaux)/Tome_2/Les_Oyes_de_frere_Philippe
[8] https://fr.wikisource.org/wiki/%C5%92uvres_compl%C3%A8tes_de_La_Fontaine_(Marty-Laveaux)/Tome_2/Le_Gascon_puny
[9] https://waddesdon.org.uk/the-collection/item/?id=8606

Comme une sculpture (le paragone)

8 avril 2020
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 Une image biface a quelquefois pour objet de montrer deux aspects d’un objet tridimensionnel.

 

Trachtenbuch des Matthaus Schwarz, 1 juillet 1526, Braunschweig, Herzog Anton Ulrich Museum

Portrait recto verso de Matthäus Schwarz,
Trachtenbuch des Matthaus Schwarz, 1er juillet 1526, folios 79 et 80, Herzog Anton Ulrich Museum, Braunschweig

Le marchand Matthäus Schwarz nous a laissé l’extraordinaire « Livre des Vêtements » [1] dans lequel, de 1520 à 1560, il s’est fait portraiturer dans toute sorte d’habits, y compris celui d’Adam.

Au dessus de la vue de dos, il a noté sans indulgence :

A l’époque j’étais dodu et épais dan ich wart faist und dick worden

Au dessus de celle de face :

Le visage est bien ressemblant das angesicht ist recht controfatt

Ce témoignage égotico-anatomique n’est pas tout à fait unique : d’autres ont cherché à rendre compte de la réalité tridimensionnelle du corps.


 

Portrait recto du nain Morgantе Bronzino 1552 Offices Florence Portrait verso du nain Morgantе Bronzino 1552 Offices Florence

Portrait recto verso du nain Morgantе
Bronzino, 1552, Offices, Florence

 

Ce double portrait est une réponse au débat dit du paragone, à savoir les mérites comparés de la sculpture et de la peinture.  Braccio di Bartolo, dit Morgante,un des bouffons favoris de Cosimo de Médicis est représenté de face et de dos, mais aussi au départ et au retour de la chasse : la peinture peut donc rivaliser avec la sculpture dans la représentation de l’espace, et la surpasser dans celle du temps.

Selon des écrits d’époque, Morgante était employé pour des chasses nocturnes aux petits oiseaux, qui se pratiquaient avec un hibou dressé [1a]. On le voit tenu en laisse dans le tableau « Avant », défié par un geai. Dans le tableau « Après », une chouette le remplace sur l’épaule du nain, qui brandit la grappe des petits oiseaux capturés.


Agnolo_bronzino-_Portrait of a dwarf Morgantе before 1552,Offices Portrait recto du nain Morgantе Bronzino 1552 Offices Florence

Jusqu’à la restauration de 2011, le verso n’était pas visible et le recto, jugé obscène, avait été édulcoré en Bacchus.


Agnolo_bronzino-_Portrait of a dwarf Morgantе recto1552,Offices detail papillon

Il est possible que le couple de papillons Flambé (Iphiclides podalirius), dont l’un poursuit l’autre tout en servant de cache-sexe, ait à voir avec le couple hibou/chouette pour suggérer, dans la chasse aux petits oiseaux, un sous-entendu galant (voir L’oiseleur).Les arbres coupés ras du tableau « Avant », comparés avec le tronc vigoureux et les deux piquets tenus par le nain dans le tableau « Après », pourraient être une allusion à la virilité légendaire des nains.



David_and_Goliath_by_Daniele_da_Volterra_(Louvre_INV_566)_recto_02Recto David_and_Goliath_by_Daniele_da_Volterra_(Louvre_INV_566)_verso_02Verso

David et Goliath
Daniele de Volterra, 1555, Louvre

Ce « diptyque » très expérimental était exposé à côté d’une statue de terre cuite représentant la même scène, toujours dans le contexte du débat du paragone.

Exceptionnel par son support (une ardoise de 133 × 177 cm plane des deux côtés), il l’est aussi par la difficulté du  sujet – montrer un géant et un jeune homme sans disproportion ridicule ; mais surtout par son ambition théorique – utiliser le double-face pour faire surgir de l’ardoise un hologramme avant la lettre, dont on apprécie le relief en tournant autour du tableau.

La comparaison côte à côte du recto et du verso nous permet aujourd’hui d’apprécier des subtilités difficiles à percevoir à l’époque.

D’abord, contrairement à ce que suggère l’idée du double-face, il ne s’agit pas de la même scène projetée  sur deux plans opposés : il aurait fallu pour cela privilégier un des points de vue, et sacrifier l’esthétique à l’exactitude.


David_and_Goliath_by_Daniele_da_Volterra_(Louvre_INV_566)_recto_02_mainGoliathRecto David_and_Goliath_by_Daniele_da_Volterra_(Louvre_INV_566)_verso_02_main_GoliathVerso

On s’en rend compte facilement en notant que la main droite de Goliath emprisonne tantôt le poignet, tantôt le bras de David. De même, le bras de David cache tantôt l’oeil droit, tantôt l’oeil gauche de Goliath.

L’ouverture de la tente rose étant au même endroit dans les deux vues, il faut en conclure soit que le groupe a pivoté d’un demi-tour sur le sol, tout en gardant pratiquement la même pose, soit qu’il y a deux tentes opposées.

L’analyse de la lumière va nous donner la solution : au recto, elle tombe du haut à gauche, ce pourquoi la lame du cimeterre et le bras gauche de David sont dans l’ombre ; au verso, elle tombe du haut à droite, ce qui illumine l’autre face de la lame et l’autre côté du bras. Il faut donc comprendre que, en trois dimensions,  la source de lumière se trouve du même côté par rapport aux deux faces : le groupe n’a donc pas pivoté, et il y a deux tentes identiques.

Il est probable que l’oeuvre avait pour but de montrer la supériorité de la peinture, qui permet de représenter la même histoire à deux moments successifs :

  • Au recto, la fronde et le fourreau situent le moment représenté : après avoir abattu Goliath, David  vient de s’emparer de son épée pour lui trancher la tête. Le géant tente encore de se relever : le genou gauche vertical, le torse décollé du sol, la main gauche retenant au  poignet son assaillant qui l’agrippe par les cheveux.
  • Au verso, le genou s’est affaissé, le torse touche le sol, et la main impuissante a glissé jusqu’au bras, tandis que le cimeterre de David s’est abaissé.

David_and_Goliath_by_Daniele_da_Volterra_(Louvre_INV_566)_recto_02_davidRecto David_and_Goliath_by_Daniele_da_Volterra_(Louvre_INV_566)_verso_02_davidVerso

 

Un détail vient confirmer la séquence chronologique : au recto, l’exomide jaune de David couvre encore son épaule gauche ; au verso, elle a glissé, retenue seulement par un ruban en bandoulière.

Et c’est alors que nous nous rendons compte que Daniel de Volterra, tout à sa virtuosité picturale, a commis deux erreurs qu’un sculpteur aurait évitées :

  • sur le recto, il a oublié le ruban en bandoulière ;
  • sur le verso, en déplaçant le bras gauche de David, il l’a rendu incapable de trancher la gorge du géant .

 

Van Gogh

Dans son approche appliquée des différentes facettes de la peinture, Van Gogh a effleuré plusieurs fois la question du dessus et du dessous des choses.

Van Gogh 1887 Les vieux souliers aux lacetsUne paire de souliers, The Baltimore Museum of Art Vincent-Van-Gogh 1886-A-Pair-of-Shoes-3-Une paire de chaussures, une chaussure retournée, Collection particulière

Van Gogh, printemps 1887

Lors de son arrivée à Paris, dans ces souliers symboliques de la vie de bohème et de l’itinérance…


Van Gogh 1888 Sunflowers gone to seed (F 375) MET

Tournesols montés en graine, Van Gogh, 1887, MET, New York (F 375)

Le thème des tournesols l’intéressait déjà avant son départ pour Arles (voir Les pendants de Van Gogh : les Tournesols (2/2)).


Van Gogh Les crabes National Gallery

Deux crabes
Van Gogh, 1889, National Gallery, Londres

On pense que cette nature morte a été peinte juste après sa sortie de l’hôpital d’Arles en janvier 1889 :

« Je vais me remettre au travail demain, je commencerai à faire une ou deux natures mortes pour retrouver l’habitude de peindre. » Lettre à Théo, 7 janvier 1889

Le crâne retourné sur le dos, puis qui se remet à l’endroit, est la métaphore évidente du rétablissement qu’il espère.


Autre tentative  de rendu tridimensionnel : le cubisme…

Marie Vassilieff mandouble-sided Marie Vassilieff woman-double-sided

Nu a l’atelier
Marie Vassilieff, 1927

Si Marie Vassilieff a peint ces deux nus recto verso, et sur des arrières-plans différents de l’atelier, c’est bien pour éviter toute comparaison à plat et exalter, en obligent à tourner autour du panneau, la spatialité des deux silhouettes.

Malgré le modernisme de la technique, elle se plie à la  convention classique de la peau masculine, bronzée, et de la peau féminine, blanche. Les couleurs chaude et froide de l’arrière-plan accentuent ce contraste.


kirchner_badende_frauen_triptychon 1925 NGA
Femmes au bain (Badende Frauen)
Ernst Ludwig Kirchner, 1915-25, 

volet gauche : collection privéecentre : Davos, Kirchner Museum, volet droit : NGA, Washington

La femme du volet gauche amorce une certaine liberté avec l’anatomie, puisque ses mains semblent à la fois devant et derrière son torse ; mais son pendant, sur le côté droit, est carrément coupée en deux : au dessus de sa serviette , elle est vue de face et au dessous, de dos.


Ernst Ludwig Kirchner AktGruppe II 1907Aktgruppe II (Verso du volet gauche) Ernst-Ludwig-Kirchner-Two-Nudes-1907-NGAAktgruppe I (Verso du volet droit)

Ernst Ludwig Kirchner, Triptyque,, 1907-08

L’amusant est que les deux volets latéraux ont été peints au verso de deux volets d’un triptyque sur le même thème, réalisé en 1907/08, et dont le panneau central a été perdu.Le couple debout de face/ assise de dos y était opposé à un couple debout de dos / assise de face.

Cette symétrie sophistiquée a été radicalement simplifiée dans le second triptyque, mais a laissé sa trace dans la femme double-face du volet droit [2] .


1956 ca Les Soeurs Kessler photo Levin Sam
Les Soeurs Kessler
Vers 1956, photo de Sam Levin

Une autre manière d’attaquer la question de la femme double-face : photographier des jumelles.


 

Allen Jones. Maitresse I (A film by Barbet Schroeder) 1978Maîtresse I (A film by Barbet Schroeder) ,Allen Jones,  1978 Allen JOnes. London Derriere (Maîtresse II), 2008Maîtresse II, Allen Jones,  2008

 

 

Références :
[1] Le Trachtenbuch des Matthaus Schwarz est consultable en ligne :
http://www.mediafire.com/file/cbo3krr9x54rurn/Trachtenbuch+des+Matthaus+Schwarz+aus+Augsburg%2C1520+-+1560.PDF
[2] Kirscner a réalisé des dizaines de tableaux double-face, plus pour économiser la toile que pour exploiter l’effet rect-verso. Voir la liste dans https://de.wikipedia.org/wiki/Der_doppelte_Kirchner

Pendants solo : masculin – féminin

4 avril 2020
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Assez rapidement, la confrontation des deux sexes a été utilisée pour signifier autre chose qu’un rapport strictement conjugal.

 

Quentin_Matsys_1513 ca A_Grotesque_old_woman National GalleryVieille femme grotesque
Quentin Matsys, vers 1513, National Gallery, Londres
Quentin Massys 1513 ca Portrait d'un vieillard Collection priveePortrait d’un vieillard
Quentin Matsys, vers 1513, Collection privée

Ici, la femme se trouve sur le tableau de gauche à la fois pour suggérer une supériorité grotesque, et pour respecter le sens de la narration : elle tend un bouton de rose au vieil homme, qui le refuse de la main pour des raisons  compréhensibles  (la métaphore traditionnelle  entre la rose et les tétons ajoute encore au comique).


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atelier de la Marche vers 1525 Amour Sacre Les Arts decoratifs, ParisL’Amour Sacré atelier de la Marche vers 1525 Amour Profane Les Arts decoratifs, ParisL’Amour Profane

Tapisseries commandées par Guy de Baudreuil, abbé de Saint-Quentin-aux-Bois
Vers 1525, Musée des Arts décoratifs, Paris

Très verbeuses, ces deux extraordinaires allégories emplies de détails amusants et de rébus méritent d’être étudiées en détail [6a]. Je développe ici les éléments liés au fonctionnement en pendant.


Le texte sommital

atelier de la Marche vers 1525 Amour Sacre Profane texte A1 atelier de la Marche vers 1525 Amour Sacre Profane texte A2
 

(au dessus du coeur couronné) « Le <dessin d’un coeur> à Dieu

« La lumière est semée pour le juste, et la joie pour ceux qui ont le coeur droit ». Psaume 97, 11
(lux orta est iusto et rectis corde laetitia)

(au dessus du brasier sculpté) : « <L’Amour> se nourrit de l’oisiveté, parmi les joies venues des biens de la fortune ». Sénèque

(Ocio nutritur inter leta fortuna bona). 


Le texte central

Enroulé autour de l’arbre, au centre du pendant, il constitue la clé de lecture de l’ensemble, et mérite d’être ciré intégralement :

Par le fruict de la Passion,
[Miracle d’intercession,]
Par foy, trauaux et plusieurs penes
Auons esperances certaines
D’eternelle fruition

Comme l’a montré J.Porcher, ce texte signale les quatre rébus du pendant.


1 La Foy

atelier de la Marche vers 1525 Amour Sacre Profane texte B1 atelier de la Marche vers 1525 Amour Sacre Profane texte B2

Elle est illustrée en haut à gauche par la poignée de main entre :

  • l’Homme et une main masculine sortant du nuage où Jésus ouvre ses bras ;
  • la Femme et une main féminine sortant du nuage où Cupidon les yeux bandés décoche une flèche.

Elle s’accompagne des textes suivants :

« je me rassasierai de ton image » Psaume 17, 15

(Saniabor, cum apparuerit gloria tua)

Aucune confiance en Vénus. Jupiter se rit des parjures des amants et laisse emporter aux vents leurs vaines paroles. (Tibulle, III, 6).

(Nulla fides Veneri, perjuria ridet amantum Jupiter, et ventos ferre jubet )


2 Les Travaux

atelier de la Marche vers 1525 Amour Sacre Profane texte C1 atelier de la Marche vers 1525 Amour Sacre Profane texte C2

Ils sont illustrés visuellement par le petit « travail », dispositif en bois pour ferrer les chevaux, placé sous le pied droit du personnage.

« J’ai les yeux constamment tournés vers Yahweh, car c’est lui qui tirera mes pieds du lacet. » Psaume 25,15
(A oculi mei Dominum, quoniam ipse evellet de laqueo pedes)

« La liberté n’est pas compatible avec l’amour. Un amant n’est jamais qu’un esclave. » Properce, Elégie XXIII :De la servitude de l’Amour
(Libertas quoniam nulli jam restat amanti. Nullus liber erit, si quis amare vomet)


3 Les Peines

atelier de la Marche vers 1525 Amour Sacre Profane texte D1 atelier de la Marche vers 1525 Amour Sacre Profane texte D2

Elles sont illustrées visuellement par les plumes (les pennes), placées sous le pied gauche du personnage.

 

« Tu me feras connaitre le sentier de la vie » Psaumes 16,11
(notas mihi fecisti vias vitae)

« Ni modéré par les conseils, ni réfréné par la pudeur, ni soumis à la raison, ainsi volette l’amour ». Saint Ambroise
(Nec consilio temperatur, nec pudore frenatur, nec rationi subjicitur, sed volitat amor )

  •  Grâce à l’Amour divin, l’Homme peut libérer son pied droit, par le Travail, et poser l’autre sur un chemin de Peines.
  • Tandis que l’Amour Profane ne connait si l’un ni les autres : il ne peut se libérer et il volette (ce pourquoi les deux pieds de la Femme sont invisibles).


4 Les Espérances

atelier de la Marche vers 1525 Amour Sacre Profane texte E1 atelier de la Marche vers 1525 Amour Sacre Profane texte E2
 

Il s’agit du rébus « J’ai sphère ».

 

« En toi, Seigneur, j’ai mis mon espérance : je ne serai pas confondu à jamais » Psaumes 31,3
(In te, Domine, speravi : non confundar in aeternum )

« Ainsi fait l’amour impatient que ce qu’il désire, il l’invente ». Saint Ambroise, III, De Assumptione.
(Hoc habet impatiens amor ut quem desiderat semper se invenire credat )


La logique du pendant

On aurait tort de réduire ce panneau à une critique misogyne : si l’Amour Divin siège à la place d’honneur, l’Amour profane n’est pas moins noble, dans son humaine imperfection : chacun porte sa propre Sphère, sa propre Espérance, matérialisée par les scènes annexes :

atelier de la Marche vers 1525 Amour Sacre Profane texte F1a atelier de la Marche vers 1525 Amour Sacre Profane texte F1b

Grâce au Sacrifice du Christ (le Pélican et le Passereau), l’Amour Divin a espoir en la Résurrection (Le Phenix).



atelier de la Marche vers 1525 Amour Sacre Profane texte F2
L’Amour profane espère en une heureuse union, même si la sagesse antique en montre bien les limites :

Je vois le bien, je l’aime et je le fais mal (Ovide,Métamorphoses VII)
Video meliora proboque, deteriora sequor

Les deux figures forment un couple non pas opposé, mais complémentaire : tout comme la culture humaniste complète la culture biblique.


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van_Slingelandt 1657 Saint_Jerome_en_priere_dans_une_grotte_LouvreSaint Jérôme en prière dans une grotte van_Slingelandt 1657 Sainte_Madeleine_penitente_LouvreMarie-Madeleine pénitente

Van Slingelandt 1657, Louvre, Paris

L’appariement des deux ermites est un standard des pendants hollandais : Gérald Dou notamment en a produit plusieurs, mais aucun n’a été conservé complet.. Ici l‘arbre mort et la lanterne  (accrochée ou posée à son pied), assurent la jonction et confirment qu’il convient d’accrocher les deux saints dans l’ordre héraldique.


Cano vers 1653 St Jerome dans le desert, Prado 104 x 205 cmSaint Jérôme au désert Cano vers 1653 Madeleine penitente dans le desert, Prado 104 x 205 cmMadeleine pénitente dans le désert

Alonso Cano, vers 1653, , Prado (104 x 205 cm)

Le même duo se retrouve en Espagne, dans un clair-obscur dramatique et austère.


Cano Madeleine penitente dans le desert, coll priv 71 x 93 cmMadeleine pénitente dans le désert Cano ST Jerome dans le desert, coll priv 71 x 93 cmSaint Jérôme au désert

Alonso Cano, date inconnue, collection privée (71 x 93 cm)

Dans cette version probablement plus tardive, Cano a interverti les deux saints, homogénéisé leurs attributs et rajouté les angelots en tant que .


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 Pendants aviaires  néerlandais

Bloemaert 1632 Paysan Copyright Centraal Museum UtrechtPaysan ayant cassé des oeufs Bloemaert 1632 Paysanne Copyright Centraal Museum UtrechtPaysanne le lui reprochant

Abraham Bloemaert, 1632, Copyright Centraal Museum, Utrecht

Il y a sans doute sous-entendu sexuel dans cette scène d’une paysanne bardée de pots qui réprimande son époux maladroit (les oeufs cassés symbolisant la perte ou le gaspillage de sa virilité).


Monogrammist ISD Paysan avec une poule Amsterdam, RijksprentenkabinetPaysan avec une poule Monogrammist ISD Femme avec un chapeau de paille Amsterdam, RijksprentenkabinetFemme avec un chapeau de paille

Monogrammiste HSD, Rijksprentenkabinet, Amsterdam

 
En vuilt mijn hinneken niet te seer genaeken
Het soude lichtelyck aen de sprou geraeken
Noch vint men daeghelycx sulcken gasten
Die de hinnekens nae haer eyeren tasten
Ne t’approche pas trop de ma poule,
elle pourrait attraper le coryza
Chaque jour, on trouve des gens
qui touchent les poules à leurs oeufs  

A gauche la poule se réfère au sexe masculin, à droite le femme au chapeau de paille et aux seins opulents regrette que le vieux lubrique préfère se toucher les oeufs [7].

Les portraits avec coq ou poule ont été assez courants aux Pays-Bas vers le milieu du XVIIème siècke, en relation avec la symbolique sexuelle de la volaille ( (du verbe vogelen, copuler , formé sur le mot vogel : oiseau, voir La cage hollandaise).


Johannes Baeck 1654 Femme avec un coq Centraal Museum, UtrechtJeune femme avec un coq Johannes Baeck 1654 Vieil homme avec une poule Centraal Museum, UtrechtVieil homme avec une poule

Johannes Baeck 1654 Centraal Museum, Utrecht

Ce pendant adapte en version volaille le thème du couple mal assorti (suggéré par l’inversion héraldique : c’est ici l’épouse qui a pris le dessus) :

  • la jeune épouse a attrapé un coq par la patte (un amant) et fait le signe du cocu ;
  • son mari âgé tient dans sa main droite l’oeuf que la poule a pondu.

Le geste de sa femme le désigne comme un porteur de cornes (hoorndrager) tandis que son plumet ridicule et l’oeuf qu’il tâte signalent son impuissance et sa mollesse.


Hennetaster Harmen Jansz. Muller, 1595 ca, British MuseumHennetaster, estampe de Harmen Jansz Muller, vers 1595, British Museum Cornelis Bloemaert Hennetaster RikjsmuseumHennetaster, estampe de Cornelis Bloemaert, Rikjsmuseum

Toujours péjorative, la figure du « hennetaster » (le « tâteur de poule ») est au mieux celle d’un mari qui laisse sa femme porter la culotte (estampe de gauche), au pire celle d’un impuissant, comme le confirme le texte de la seconde estampe :

Vois comme le vieillard se sent avec la poule ; même une reine à sec (ie : organe déficient) voudrait aussi faire quelque chose ». [7a] Siet hoe den ouden voelt het hoen ; Eeen droge queen wil oock wat doen


HENDRICK BLOEMAERT hennetaster

Hennetaster
Hendrick Bloemaert, colllection privée

Le tableau qui a inspiré la gravure est encore plus explicite : couteau minuscule à côté de l’énorme bourse, perchoir brisé dépassant de l’énorme cage.


Philip Koninck 1650 ca Couple de cocus 1Hennetaster, estampe de Harmen Jansz Muller, vers 1595, British Museum Philip Koninck 1650 ca Couple de cocus 2Hennetaster, estampe de Cornelis Bloemaert, Rikjsmuseum
 
Couples de cocus
Philip Koninck, vers 1650

Dans la même veine des inversions sexuelles et des fines allusions, un homme montre son pot à une voisine qui tient une bougie ; derrière lui sa propre épouse nous indique qu’elle le fait cocu, probablement avec le voisin qui, en retrait, bourre d’un air entendu sa pipe avec son doigt.



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van Mieris Frans (I) 1655-57 The A resting traveller Leiden CollectionVoyageur au repos, The Leiden Collection van Mieris Frans (I) 1655-57 The broken egg ErmitageL’oeuf cassé, Ermitage

 Frans van Mieris (I), 1655-57 (21.6 x 17.8 cm)

Il est très probable que ces deux petites peintures sur cuivre soient des pendants [7b] :

  • scène d‘intérieur dans une galerie, scène d’extérieur devant une porte ;
  • symétrie entre la besace et le panier ;
  • signature unique, au centre des deux tableaux.


L’oeuf cassé

van Mieris Frans (I) 1655-57 The broken egg Ermitage gravure de Pierre Etienne Moitte 1754 escargot

Gravure de Pierre Etienne Moitte, 1754 (détail)

La gravure révèle deux détails peu lisibles sur le tableau :

  • l’escargot posé sur un caillou ;
  • la porte demi-barrée par une planche.

L’escargot joue ici un triple rôle :

  • par sa coquille intacte, il nargue l’oeuf cassé ;
  • par sa lenteur, il souligne la supposée précipitation de la porteuse et et donne une explication rationnelle au gâchis ;
  • par son caractère rampant et gluant, il introduit une notion de péché et de corruption (ce pourquoi on le trouve souvent dans les natures mortes florales, tout comme les mouches, lézards ou serpents).



van Mieris Frans (I) 1655-57 The broken egg Ermitage gravure de Pierre Etienne Moitte 1754
L’oeuf cassé, la porte mal barrée et les mains douloureusement posées sur le ventre sont autant de sous-entendus que la légende de la gravure explicite plaisamment.


Le voyageur au repos

van Mieris Frans (I) 1655-57 The A resting traveller Leiden Collection detail
Cette charge érotique rend, en contrepartie, la posture du voyageur moins innocente : sa main gauche autour du goulot, au dessus du genou vêtu, contraste avec sa main droite flasque, posée sur son genou nu, dans un relâchement post-coïtal.


La logique du pendant (SCOOP !)

  • D’un côté un voyageur, armé de son bâton et de sa besace velue, a pénétré jusqu’au fond d’un galerie, et se remet de ses efforts ;


van Mieris Frans (I) 1655-57 The broken egg Ermitage detail

  • De l’autre une fille fille au corsage défait s’adosse à une barrière inutile  en pressant sur son ventre un torchon dérisoire (voire prémonitoire)  ;



van Mieris Frans (I) 1655-57 The broken egg Ermitage oeuf

  • entre les deux, une blancheur fracturée laisse échapper un liquide glaireux

Sous l’alibi de la miniature et du lisse, toute la crudité sournoise de la peinture fine hollandaise.



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Dou 1660-65 Soldier_Bather ErmitageSoldat se baignant Dou 1660-65 Woman_bather_combing_her_hair ErmitageFemme se peignant

Dou, 1660-65, Ermitage, Saint Petersbourg

Avec leur arbre mort de part et d’autre et leur fond identique d’arcades en briques donnant sur une ville, ces deux tableaux se complètent parfaitement.

Dou 1660-65 Woman_Bather Ermitage

Femme se baignant
Dou, 1660-65, Ermitage, Saint Petersbourg

Cependant le musée conserve un troisième tableau de la même taille, qui complète parfaitement le second, sans pour autant constituer un trio (l’arbre mort sur la gauche empêche de le placer entre les deux autres.


Dou 1660-65 Soldier_Bather Ermitage Dou 1660-65 Woman_Bather Ermitage
Dou 1660-65 Woman_Bather Ermitage Dou 1660-65 Woman_bather_combing_her_hair Ermitage

Tout se passe comme si Dou avait réalisé un diptyque modulaire permettant s’associer baigneur et baigneuses en pendants parallèles ou symétriques, selon l’humeur du moment.


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Maes 1671 Portrait of a girl as Granida, in a blue silk dress with two deer coll privPortrait d’une petite fille avec un couple de daims Maes 1671 Portrait of a boy as Daifilo in an orange cloak, with a bird coll privPortrait d’une petite garçon avec un oiseau et un chien

Nicolas Maes, 1671, collection privée

Dans un décor bucolique, ces enfants évoqueraient la princesse Granida et le berger Daifilo, d’après la tragi-comédie de Pieter Cornelisz Hooft, Granida [7c]. Mais les attributs n’ont rien de spécifique à cette pièce, et se retrouvent dans d’autres portraits d’enfants de Maes. Je pense plutôt que les perles, la conque et le couple d’animaux amoureux sont une manière amusante de transposer les attributs de Vénus, tandis que le petit garçon avec son carquois (mais pas d’arc) et son oiseau favori qu’il promène au bout d’une laisse, est un Cupidon en herbe.



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Willem-van-Mieris-1683-Un-voyou-Allegorie-de-la-Colere-Kunsthistorisches-Museum-VienneUn bretteur (Allégorie de la Colère), 1683 Willem-van-Mieris-1683-Une-prostituee-Allegorie-de-la-Fierte-Kunsthistorisches-MuseumUne prostituée (Allégorie de l’Orgueil), 1684

Willem van Mieris, Kunsthistorisches Museum, Vienne

On n’a aucun élément indiquant que ces deux tableaux aient été réalisés pour une série des Sept Péchés capitaux. Ils fonctionnent en tout cas parfaitement à deux, en pendant masculin/féminin :

  • deux marginaux, un soldat et une prostituée, dans une ambiance italienne ;
  • deux lieux opposés : à l’intérieur sous les ruines et à l’extérieur devant le palais,
  • deux moments opposés : le matin et le soir ;
  • les instruments symboliques de chaque sexe : l’épée qu’on tire et la bourse qu’on remplit ;
  • deux passions également sexuées : l’une d’impulsion et l’autre de calcul.

A l’époque de Van Mieris, la représentation des péchés a vieilli, l’intérêt s’est déporté sur celle des émotions.



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1719 Miniature of Theresa Kunegunda Sobieska and her son Jean Theodore Residenz Munich
Miniature de Therèse Cunégonde Sobieska en Vierge Marie et de son fils Jean-Theodore en Saint Jean l’Evangéliste, 1719, Residenz, Munich

C’est sans doute son caractère privé qui explique le catholicisme quelque peu échevelé de ce double portrait :

  • tenant une image rayonnante de l’Immaculée Conception, l’Electrice consort de Bavière se met à rayonner elle-même ;
  • son fils, transformé en son saint éponyme, écrit lui-même l’Evangile, un aigle d’ombre (Dieu ?) tenant dans son dos l’encrier.



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Cipper detto il Todeschini 696 - 1736 Vendeur de poissons.Le vendeur de poissons Cipper detto il Todeschini 1696 - 1736 Vnedeuse de gibierLa vendeuse de gibier

Cipper dit il Todeschini, 1696 – 1736, collection privée

Un pécheur brandit un anguille tandis que son jeune compagnon joue de la flûte ; une paysanne brandit un canard mort tandis que son jeune enfant lui montre une figue.

L’opposition anodine entre les produits de la chasse (la Terre) et les produits de la pêche (la Mer) est sous-tendue par une symbolique sournoise, chaque sexe manipulant les attributs de l’autre :

  • les volailles mortes (de préférence à long bec ou à long cous) sont depuis les Hollandais des symboles virils bien connus (voir La cage hollandaise) ;
  • les coquillages (conque pubienne, huître offerte) et les poissons (voraces et fuyants) sont des caractères habituels de Vénus.



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Study of a Boy in a Blue JacketEtude de garçon a la veste bleue  Benedetto-Luti-1717-Etude-de-fille-en-rouge-METEtude de fille en rouge

Pastels de Benedetto Luti, 1717, MET

Beaucoup de virtuosité et de malice dans ce jeu de regards entre enfants : le garçon jette un coup d’oeil en biais sur la fille, profitant que celle-ci lève les yeux de son miroir pour regarder qui arrive.



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Piazzetta 1740 ca Girl with a ring biscuit wadsworth atheneum HartfordJeune fille avec une ciambella (biscuit en anneau) Piazzetta 1740 ca Boy with a pear wadsworth atheneum HartfordJeune homme avec une poire

Piazzetta, vers 1740, Wadsworth Atheneum, Hartford

Le pendant illustre deux expressions italiennes :

  • côté garçon : « cascare come pera cotta » ( ‘tomber amoureux comme uen poire cuite) ;
  • côté fille : « non tutte le ciambelle riesco no col buco » (toues les ciabelle ne sortent pas du four avec un trou).



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Barbault Jean La sultane grecque 1748 LouvreLa sultane grecque Barbault Jean Un Pretre de la loi 1748 LouvreUn Prêtre de la loi

Jean Barbault, 1748, Louvre

« En fait la « sultane » est un homme, un peintre pensionnaire de l’Académie de France à Rome, et le tableau un souvenir de la mascarade de 1748. Les jeunes artistes du palais Mancini avaient l’habitude d’organiser à l’occasion du carnaval un cortège pantomime très apprécié des Romains : celui-ci, sur le thème de la Caravane du Grand Seigneur à la Mecque, eut un tel succès que le Pape Benoît XIV tint lui-même à y assister incognito. En fait, tout n’était qu’illusion : les Sultanes ? Des jeunes gens. Les somptueuses soieries ? Des toiles peintes. Les zibelines qui bordent manteaux et houppelandes? Du lapin… Mais par la magie d’un pinceau sensuel et inspiré qui transcende tout, on y croit. »  [8]

Il n’est pas sûr que ces deux panneaux aient fonctionné en pendants. C’étaient plutôt les éléments d’une série, dont voici un troisième membre :


Barbault Jean Un garde du Seigneur 1748 Musee de Narbonne

Jean Barbault, Un garde du-Seigneur,1748, Musée de Narbonne



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Mengs 1754 le plaisirLe Plaisir, MET, New York Mengs 1754 La veriteLa Vérité, Museum of Fine Arts, Houston Mengs 1754 innocenceL’Innocence (copie)

 Pastels de Anton Raphael Mengs, 1754

Les trois allégories sont conformes à l‘Iconologie de Ripa, tout en supprimant les attributs trop rhétoriques, démodés :
:

  • Plaisir : « un beau jeune garçon, âgé d’environ dix-sept ans. Il porte en la tête une Guirlande de roses, et un habillement vert <avec quantité d’hameçons attachés à un filet, et un Arc en Ciel, qui aboutit d’une épaule à l’autre> ». Iconologie, édition française, 1743, article CXXVII
  • Vérité : ‘« une jeune fille nue, qui tient de sa main droite près de son coeur une pêche avec une seule feuille, <et dans la gauche une horloge>. La pêche est l’antique hiéroglyphe du Coeur, et sa feuille de la Langue… elle enseigne que le Coeur et la Langue doivent être conjoints. «  Iconologie, édition italienne, 1593
  • Innocence : « Jeune Vierge vêtue de blanc avec sur la tête une guirlande de feurs, et un agneau dans les bras… L’Agneau symbolise l’Innocence car il n’a ni force, ni volonté de nuire, ni d’offenser, ni de s’embraser dans un désir de vengeance, mais il supporte patiemment, sans répugnance, qu’on lui prenne et la laine et la vie » édition italienne, 1593

Ainsi ce trio très inventif, nous dit que la rencontre  explosive du Plaisir et de l’Innocence doit être modérée, au centre, par l‘exigence de la Vérité.



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Colson 1759 L’Action, Musee des Beaux Arts DijonL’Action colson-le-reposLe Repos

Jean-François Colson, 1759, Musée des Beaux Arts, Dijon

Au delà des deux allégories de l’Action et du Repos, le pendant oppose deux jeux d’enfants aux sous-entendus transparents :

  • côté garçon, il s’agit de mettre le feu aux poudres et de faire tirer le canon, tandis que le chien énamouré se détourne  de la braguette à la baguette ;
  • côté fille, il s’agit de feindre le sommeil pour laisser le chat cruel gober l’oiseau retenu par un ruban (pour plus de détails, voir Le chat et l’oiseau).



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Van Loo (Charles Amedee Philippe) Les bulles de savon 1764 National Gallery of Arts WahingtonLes bulles de savon Van Loo (Charles Amedee Philippe) La lanterne magique 1764 National Gallery of Arts WahingtonLa camera obscura

Van Loo (Charles Amedee Philippe),  1764, National Gallery of Arts, Wahington

Van Loo utilise des pendants ovales pour répartir  ses six enfants entre deux lucarnes « oeil  de boeuf » : une fille et deux garçons, un garçon et deux filles . Ce mélange des sexes  montre bien que le goût n’est plus aux symétries faciles, tout est fait au contraire pour les brouiller : formes, couleurs, mouvements, l’oeil rococo valorise avant tout le raffinement, la distraction, la surprise. Au point qu’il est difficile de décider l’emplacement des deux pendants .

C’est dans la profondeur que se trouve la solution, et que se  joue l’unité entre les deux  :  à gauche, une bulle de savon va s’échapper vers l’extérieur, vers le tablier  tout prêt à la recueillir ; à droite, la « camera obscura » du père est brandie à l’extérieur  pour observer, sur l’écran en face arrière, le miracle de cette bulle qui vole.

Ce qui réunit les six enfants, ce qui capte intensément leur attention,  c’est l’attente imminente de cet envol.



Van Loo (Charles Amedee Philippe) L'artiste et sa mère 1763 Coll particuliere

L’artiste et sa mère  
Van Loo (Charles Amedee Philippe),  1763, Collection particulière

Ces deux pendants viennent compléter un autre « oeil de boeuf » expérimenté l’année précédente. Le peintre s’est représenté dans une complicité joyeuse avec sa mère, tenant le menton ridé de la vieille femme comme au petit jeu de la barbichette,  pour la faire encore une fois sourire.



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Ary Scheffer 1831 Marguerite au rouet Musee de la Vie romantiqueMarguerite au rouet
Ary Scheffer 1831 Faust dans son cabinet Musee de la Vie romantiqueFaust dans son cabinet

Ary Scheffer, 1831, Musée de la Vie romantique, Paris

 

Marguerite

Sans lui l’existence
N’est qu’un lourd fardeau,
Ce monde si beau
N’est qu’un tombeau
Dans son absence.
De mon pauvre esprit
Le ressort s’arrête,
Ma pauvre tête
S’appesantit

Faust, Goethe

Méphistophélès :
Pour dissiper tes vapeurs, me voici en jeune gentilhomme, dans des habits écarlates galonnés d’or, le petit manteau de satin sur les épaules, la plume de coq sur le chapeau, une longue épée affilée au côté; et, sans périphrases, je te conseille d’en faire autant, si tu veux secouer une bonne fois les chaînes qui t’accablent, et, libre enfin, éprouver ce que c’est que la vie…
Faust:
Sous quelque habit que ce soit, la vie sera toujours pénible pour moi, le monde toujours vide et sans charmes. Je suis trop vieux pour m’amuser, trop jeune pour être sans désirs.

 

 

 



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Ieon Frederic Le peintre et son modele 1882 B Ieon Frederic Le peintre et son modele 1882 A.

Le peintre et son modèle
Léon Frédéric, 1882, collection privée

Dans ce double portrait très rimbaldien, Léon Frédéric inverse les positions traditionnelles pour nous montrer qu’il ne s’agit pas d’une vue côte à côte d’un couple amoureux, mais du portrait face à face d’un autre type de relation, celui du peintre et du modèle. En nous montrant derrière la jeune fille la cloison en pleine lumière de l’atelier, et derrière-lui la cloison à contre-jour , il amorce une réflexion sur ce qui se voit (les habits, les bibelots dorés, les bijoux) et sur ce qui ne se montre pas (le squelette, les esquisses, les livres).

Plantée dans son crâne du côté de la création, l’échelle traduit toute l’ambitions de ses vingt six ans.



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France 1880 ca Faucon Pendants coll priv

La dame et son fauconnier
France, vers 1880, collection privée, 190 x 52 cm

Ce pendant très décoratif invite, en taille réelle, deux personnages d’un Moyen-âge idéalisé, repensé selon les conventions bourgeoises :

  • pose avantageuse, haute stature, fine moustache, tête et main nue pour l’homme ;
  • pose pudique, taille menue, coiffe et gant pour la femme.

Chacun ne s’intéresse qu’à son propre rapace, tenu au bout de l’index en signe d’animalité maîtrisée. Reste l’éventualité toujours possible d’un retour du refoulé : échappée l’un vers l’autre du couple d’oiseaux  et rapprochement subséquent entre la lady et le garde-chasse.



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A_Swedish_Fairy_Tale_La princesse et le berger Prinsessan och Vallpojken(Carl_Larsson 1897)_-_Nationalmuseum_-_23889

Conte suédois – la princesse et le berger (A swedish fairy tales -Prinsessan och Vallpojken)
Carl Larsson, 1897, Nationalmuseum, Stockholm

Ce triptyque, qui fait partie des quelques oeuvres symbolistes de Larsson, est factuellement un diptyque : la partie centrale, sculptée, n’est qu’une sorte de cadre élargi, dont les têtes de roi et de reine font écho aux deux personnages peints : le berger et la princesse.

Plutôt que d’illustrer une histoire précise, les panneaux mettent en place un sorte de quintessence du conte, une énergie symbolique exploitant trois polarités croisées : sculpture/peinture, femme/homme, jeunesse/vieillesse.

Un tiers-exclu échappe à ces couples: il est peint mais réduit à une tête comme celles du bas-relief ; il n’est ni homme ni femme, ni vieux ni jeune, mais simplement monstrueux : c’est bien sûr la tête coupée du troll roux, portée à l’envers par la princesse, et qui continue à la reluquer d’un oeil  haineux.

L’histoire est facile à comprendre : le troll tenait la princesse en son pouvoir, le berger lui a coupé la tête et rendu la princesse à ses parents, la reine éplorée et le roi reconnaissant.



Larsson Sankt Goran och Prinsessan 1896 lithographie

Saint georges et le dragon (Sankt Göran och draken)
Larsson, 1896, lithographie

Cette lithographie, exécutée l’année précédente, constitue déjà un triptyque en puissance :

  • la princesse et la tête coupée,
  • un chat dormant prés d’attributs royaux (manteau, couronne et sceptre),
  • le berger avec son épée saignante et son olifant.

Associés aux trois fenêtres, trois textes explicitent le contexte  :

  • la gravure « Saint Georges et le dragon » rappelle le devoir sacré  de délivrer  une princesse ;
  • un almanach (Almanakt) suspendu à un clou dit que nous ne sommes pas dans une histoire sérieuse ;
  • la gravure « De sju v(ise) » – probablement les sept vierges sages  – souligne la pureté de la princesse.

Le chat endormi nous invite une interprétation réaliste et humoristique : deux enfants à la tête farcie de contes se sont déguisés pour jouer au berger et à la princesse, autour de ce  dragon bien inoffensif.

Mais les trois attributs érectiles du berger – l’olifant, le plumet et la grande flamberge sanguinolente barrant le bas-ventre d’une vierge – comparés au nez ouvertement phallique du monstre renversé, renvoient plus ironiquement à une vérité universelle :

ce n’est pas aux vieux trolls de se taper les petites princesses.


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Georges_Braque,_1913 octobre ,_Femme_a_laguitare Centre_PompidouFemme à la guitare, octobre 1913 Georges_Braque,_1914 printemps 1914,_Homme_a_la_guitare Centre PompidouHomme à la guitare, printemps 1914

Georges Braque, Centre Pompidou, Paris

Après avoir lu de nombreux commentaires sur ces deux oeuvres, je suis resté sur ma faim. Elles sont en général le prétexte à une dissertation répétitive sur le cubisme dont elles constitueraient le point culminant, juste avant la fracture de la Grande Guerre. Personne ne s’est intéressé spécifiquement au côté « pendant », sinon pour souligner que les deux toiles ont le même format et pour justifier le coût d’acquisition important de la seconde, afin qu’elles restent ensemble. Si le cubisme avait prétendu révolutionner le pendant, on le saurait !

En fait, les deux oeuvres n’ont pas été conçues pour créer un effet d’interaction ni même probablement pour être accrochées côte à côte : ce sont deux variantes d’un même sujet, conformes à la méthode expérimentale que Braque et Picasso suivaient ensemble en ces années-là, dégagés de la nécessité de vendre par la rente mensuelle de Kahnweiler.

 

Les signes communs

Dans la raréfaction de signes organisée par le cubisme, notre oeil naïf a tendance à survaloriser ceux qu’il reconnaît : on peut comparer les deux guitares inclinées identiquement, les deux mains droites, les volutes en bas qui doivent évoquer celles d’un fauteuil ou d’un guéridon, et les deux « portraits ».

 

Georges_Braque,_1913 octobre ,_Femme_a_laguitare Centre_Pompidou detail Georges_Braque,_1914 printemps 1914,_Homme_a_la_guitare Centre Pompidou detail

Chevelure bouclée, yeux clos, lèvres fermées, médaillon et courbe de la poitrine pour la femme ; oeil et bouche ouverte, noeud papillon chez l’homme : le strict minimum pour justifier le titre.

 

Collage et nature morte

Plus intéressante est la moitié inférieure, entre la guitare et les volutes.

Georges_Braque,_1913 octobre ,_Femme_a_laguitare Centre_Pompidou bas Georges_Braque,_1914 printemps 1914,_Homme_a_la_guitare Centre Pompidou bas

Côté masculin, l’accent est mis sur les matières, avec notamment le faux-bois, évoquant une tablette sur laquelle un verre est posé.

Côté féminin, c’est la technique du collage qui domine: on a beaucoup glosé sur l’élision du N de SONATE, et sur celle de la fin du titre, qui transforme LE REVEIL en LE REVE.

 

Jeux de lettres (SCOOP !)

Georges_Braque,_1913 octobre ,_Femme_a_laguitare Centre_Pompidou REVEIL
Le journal existait vraiment, mais sa manchette ne comporte pas le mot « ORGAN ». La principale invention verbale, dans ce collage, est donc celle de ce mot qui, à cet emplacement, revêt une signification à la fois politique, musicale, et sexuelle.

Il ne faut probablement pas surestimer ces différences, à l’appui d’un hypothétique fonctionnement en pendant.

 

Georges_Braque,1913 nov la-guitare-statue-epouvante Musee Picasso Paris

La guitare statue d’épouvante
Braque, novembre 1913, Musée Picasso, Paris

Car exactement à la même époque, Braque a produit cette nature morte avec les mêmes ingrédients : l’élision du N dans CONCERT, la suppression de la finale qui transforme « RONDEAU pour la guitare » en « ROND » (en écho aux formes de la guitare et de la table) et enfin, le collage d’un vrai imprimé cette fois, le prospectus d’un cinéma de Sorgues que Braque et Picasso fréquentaient.

La force de suggestion de l’écrit nous fait chercher cette « statue d’épouvante » que, dans une autre forme d’élision, Braque s’est abstenu de peindre.


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Bortnyik 1924 New-Adam Budapest - Museum of Fine Arts 48 x 38 cmLe nouvel Adam Bortnyik 1924 New-Eve Budapest - Museum of Fine Arts 48 x 38 cmLa nouvelle Eve

Bortnyik, 1924, Musée des beaux Arts, Budapest (48 x 38 cm)

Ces deux « robots », peints à la fin du séjour de Bortnyik au Bauhaus, constituent une vision ironique de l’utopie de l’homme nouveau et de la femme nouvelle [8a] :

  • réduit à un automate en vitrine, l’homme nouveau, arborant les anciens attributs virils (chapeau et canne) mais définitivement efféminé, a laissé derrière ses pouvoirs d’ingénieur (le schéma de la machine à vapeur) pour devenir lui-même un mécanisme ;
  • juchée au dessus des lutteurs dans une salle de boxe (les quatre formes verticales sont des sacs de sable), la femme est l’enjeu du combat, tenant d’une main l’appât (la pomme) et de l’autre le drapeau du vainqueur ; derrière elle le mannequin de mode aux formes encore féminines joue le même rôle que le schéma de la machine à vapeur derrière l’homme-automate : montrer l’étendue de la perte.

Tandis que l’homme se retrouve figé et isolé dans un monde orthogonal, la femme au bord de la plateforme oblique, avec sa robe spiralée, reste le dernier principe moteur, même s’il ne s’agit plus que d’un combat obtus.

Sandor Bortnyik architect-forb-t-and-his-wife-1924

L’architecte Forbat et son épouse
Sandor Bortnyik, 1924, collection privée

Peint la même année au Bauhaus, ce double portrait d’un couple d’amis constitue une sorte d’antithèse. Les vieux stéréotypes sont conservés : la femme aux formes rondes en intérieur, l’hommé aux formes carrées sur le seuil. Cependant le damier surélevé côté femme, les mains inertes des deux protagonistes, suggèrent déjà qu’ils ne sont que des pions dans le jeu éternel des sexes.


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5. Reaching, Regina-72x48-1993-1996Reaching (Regina) Reaching-Peter-lgReaching (Peter)

Francis Cunningham, collection privée

Si Francis Cunningham ne nous avait pas livré les circonstances de cette opposition entre les corps d’une jeune femme et d’un homme âgé[9], nous ne devinerions jamais :

  • quel seul le tableau de Regina était prévu au départ ;
  • que le second est dû à l’initiative de Peter qui, voyant le premier tableau, prit la place de la modèle sur les coussins ;
  • que, si la posture de Peter n’est pas complètement symétrique de celle de Regina (son bras droit est replié sur son ventre et non au dessus de la tête), c’est que Peter est hémiplégique, paralysé du côté droit.

De quoi relativiser sur ce que l’on peut déduire des pendants une fois que toutes les sources ont disparu...

Références :
[6a] La plupart des détails et des textes de cet extraordinaire couple allégorique ont été expliqués par J.Porcher.
J. Porcher, « DEUX TAPISSERIES À RÉBUS », Humanisme et Renaissance, T. 2, No. 1 (1935), pp. 57-60, Librairie Droz
https://www.jstor.org/stable/20672916
[7] Paul Huys Janssen, « Johan Baeck, Painter and Soldier of Utrecht », dans The Hoogsteder Mercury, Journal 9 , https://hoogsteder.com/oldmaster/wp-content/uploads/2014/03/The-Hoogsteder-Mercury.pdf
[7a] Martha Peacock, « Hoorndragers and Hennetasters », dans « Old Age in « The Middle Ages and the Renaissance: Interdisciplinary Approaches« , publié par Albrecht Classen; p 511 https://books.google.fr/books?id=izHo94woxrAC&pg=PA510#v=onepage&q&f=false
[7b] https://www.christies.com/lotfinder/paintings/frans-van-mieris-i-a-traveler-at-5765856-details.aspx?from=salesummery&intobjectid=5765856
[7c] https://www.christies.com/lotfinder/Lot/nicolaes-maes-dordrecht-1634-1693-amsterdam-portrait-4838174-details.aspx
[8] http://www.actualite-des-arts.com/joomla1.5/index.php/publications/expositions/47-jean-barbault
[8a]  Christian Drobe ARTWORK OF THE MONTH, MARCH 2020: THE NEW ADAM / THE NEW EVE BY SÁNDOR BORTNYIK (1924) https://craace.com/2020/03/27/artwork-of-the-month-march-2020-the-new-adam-the-new-eve-by-sandor-bortnyik-1924/
[9] http://franciscunningham.blogspot.com/2013/09/behind-scenes-with-pair-of-paintings.html
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  • 2.2 Double-page binaire : le mauvais / le bon
  • 2.3 Double-page binaire : l’avant / l’après

Mots-clefs

abyme admoniteur ambiguïté auto-citation camera obscura centrifuge clin d'oeil collage collapse composition disparition décentrage effet collatéral effet Ripolin empathie ensemblisation Eva-ave fondu-enchaîné guignol harmoniques hors-champ jumeaux limite monde à l'envers monoptyque motif de jonction mélange normalisation objet-limite pendant pendant interne poteau problem picture relai repoussoir réversible Rückenfigur scoop signature sous-détermination stéréogramme subtilisation tableau dans le tableau vanité échantillon

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    L'immense majorité des publicités double-page consiste simplement à déployer une image unique sur deux pages adjacentes. Cette série d'article s'intéresse aux autres cas : ceux où le choix du double-page est indispensable au fonctionnement du message.
  • 1.2 Format paysage : l’imitation du cinéma 3 décembre 2020
    L'influence du cinéma sur la pub compte d'innombrables aspects. On se limite ici aux formules dans lesquels le format double-page joue un rôle privilégié.
  • 2.1 Double-page binaire : les opposés 3 décembre 2020
    Le format double page se prête à l'affichage de concepts opposés, dont la tension profite mécaniquement à l'image.
  • 2.2 Double-page binaire : le mauvais / le bon 3 décembre 2020
    L'origine de la morale et de la pub : comparer deux contraires et prendre outrageusement partie pour l'un des deux.
  • 2.3 Double-page binaire : l’avant / l’après 3 décembre 2020
    La formule se caractérise par une contrainte visuelle forte : les deux images doivent être quasi identiques, la relation temporelle se déduisant de la comparaison.
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